Líneas.

 Por: Alejandro Glade R.

Las líneas aparecen en casi todas las escenas, pero sólo algunas se convierten en elemento dominante a causa de los caprichos de la luz, del ángulo de toma o de la composición del tema. Haga uso de las líneas siempre que sea posible. 

Su atractivo resulta irresistible para la vista. Líneas onduladas, curvas o rectas…todas van a alguna parte y se llevan a la vista con ellas. 

Las líneas rectas y atrevidas, que cortan la imagen diagonalmente, dan vigor al encuadre. Las líneas onduladas horizontales, por el contrario, le comunican tranquilidad.

Las líneas marcadas dan profundidad.

Una carretera, una valla, una hilera de árboles o cualquier otra alineación claramente marcada subraya la sensación de profundidad de la escena.

Las líneas diagonales son dinámicas.

Las líneas diagonales proporcionan una sensación de movimiento y vitalidad mayor que las líneas horizontales o verticales.

Si quiere Ud. Dar a la imagen ese vigor, busque un ángulo de toma en el que aparezcan abundantes líneas diagonales.

 

 

Escrito por: Alejandro Glade R.

 

Formas.

 Por: Alejandro Glade R.

El elemento mas importante para la identificación de un objeto es su forma. Una forma simple consta solamente de la silueta. Quítele el color la textura y los volúmenes y aún podrá identificar muchos objetos por su silueta. Acentuando las formas, puede Ud. Conseguir imágenes atrevidas y graficas. La iluminación dura frontal o dorsal, es la mas apropiada para acentuar las formas.

La iluminación intensa frontal elimina la textura y las tonalidades sutiles; esto deja como elementos dominantes la forma y el color básico. La iluminación dorsal permite crear siluetas en las que ha desaparecido la textura, el color y los volúmenes.

Recurra a la silueta

Podemos crear siluetas colocando al sujeto sobre el cielo u otro fondo iluminado, en contraluz. La falta de detalle de las siluetas fotografiadas en contraluz las hace parecerse a las manchas de tinta del test psicológico de Rorschach, en las que la imaginación crea lo que la vista no ve. Para hacer un contraluz, tome una lectura de exposímetro del fondo iluminado y reduzca la exposición en 1 o 2 diafragmas. Al tomar la lectura, no incluya al sol en el encuadre.

Las vistas laterales subrayan las formas.

Si mostramos en el encuadre solamente una de las caras del objeto fotografiado, quedarán los volúmenes reducidos al mínimo y la silueta aparecerá con claridad. Si aparece una segunda cara a la vista, el objeto adquiere volumen y profundidad.

 

Escrito por: Alejandro Glade R.

Textura.

 

La textura es lo que define la superficie de un objeto. Suave, áspera, deslizante o abrasiva son algunos de los tipos de textura que encontramos habitualmente. Mostrando la textura de un objeto aumentamos el realismo de la fotografía, especialmente si se trata de un objeto conocido. El aspecto de la textura, incluso en fotografía, evoca recuerdos del tacto del objeto. 

Así por ejemplo, en una fotografía de un cucurucho de helado, la mano del espectador no puede sentir la textura del barquillo pero la visión del mismo evoca recuerdos del tacto de otros cucuruchos de helado que haya tocado. 

A veces es mejor suprimir la textura porque contradice a lo que intentamos expresar en la fotografía. Por ejemplo, será correcto subrayar la textura facial de un curtido montañista, pero no la de la ganadora de un concurso de belleza.

La iluminación lateral subraya la textura.

La iluminación lateral pone en relieve la textura. La iluminación frontal, por el contrario, la disimula. La luz lateral roza las superficies produciendo sombras que esculpen la textura. Podemos intensificar o suavizar las texturas a voluntad aumentando o disminuyendo la lateralidad de la iluminación o utilizando un reflector auxiliar para rellenar las sombras. 

La iluminación lateral dura, tal como la producida por el sol, por ejemplo, es más adecuada para texturas granulares y de detalle, como la de la arena. Para texturas de mayores dimensiones, que podrían quedar oscurecidas por las sombras, tales como la superficie de un tronco o un risco, puede ser preferible una iluminación lateral más débil o incluido difusa.

 

Escrito por: Alejandro Glade R.

 

Retratos.

 

Retrato familiar

Antes o después, todos terminamos por fotografiar a alguien. Esta puede ser una fotografía de estudio o una instantánea casual, en este proceso muchas son las personas que se ponen rígidas cuando se enfrentan con la cámara. Por esta razón hay que tratar de relajarlos y de distraer su atención de la cámara con una conversación: dígales que tienen un excelente aspecto y que van a salir muy bien.

Retrato informal familiar

Antes de empezar, dígales que va a tomar varias fotografías hasta captar el detalle expresivo que está buscando, la ceja levantada, los labios entreabiertos, etc. Sea paciente y amable.

El resultado de la sesión fotográfica dependerá muchas veces de la relación entre el fotógrafo y el modelo.

Para tener retratos, Ud. puede utilizar tres procedimientos o estilos básicos.

RETRATO FORMAL

1.- El retrato formal, en el que tendrá Ud. Que organizar la pose, el entorno, la iluminación, los elementos auxiliares y la expresión característica del modelo.

RETRATO INFORMAL

2.- El retrato informal en el que Ud. Utiliza la pose, el entorno, y las ropas para obtener una imagen natural, que no tenga aire estudiado.

RETRATO ESPONTANEO (Para aplicación)

3.- La foto espontánea en la que el fotógrafo actúa como observador independiente o desapercibido, y cuya finalidad es captar al modelo en actitud descuidada o entregado a una actividad cotidiana.

Elija el sitio más adecuado para la fotografía que quiera obtener. En una gira campestre, por ejemplo, será más apropiada la espontanea que el retrato formal.

 

Escrito por: Alejandro Glade R.

Fotografías en el circo y en el teatro.

Es una condición indispensable para fotografiar en este campo el disponer de una cámara con un objetivo luminoso y de una focal algo más larga de la normal (85 o 90 mm). Estos objetivos actualmente por lo normal se fabrican de 1:1,4 hasta 1:2,8. Con estos focales medianos se puede fácilmente fotografiar la distancia que generalmente separa el objeto a fotografiar.

Para conseguir buenos resultados se deben medir las luces, exponer en consecuencia y no preocuparse por las ISO por la poca luz. El cambio de colores de los focos produce, de todas formas, “dominantes de color”.  En algunos casos se usará un filtro de conversión, para que no afecte las tonalidades cálidas que se producen.

En un circo grande, con un diafragma 2,8 y una velocidad 1/125 de seg. o más de vería ser suficiente para una buena fotografía. En el teatro, en la opera o en un cabaret, 1/60 de seg. e igualmente con un diafragma 2,8 como mínimo y naturalmente considerado como un punto de partida.

Por lo general las cámaras réflex con medición a través del objetivo no tiene ningún problema. Por medio de la técnica de imágenes movidas se pueden obtener también estudios de movimientos de ballet de gran efecto plástico. Si embargo no todas las fotos movidas son “arte”.

En el teatro debe fotografiarse, de ser posible, con una cámara “silenciosa” o quitándole el efecto de sonido, a fin de no molestar al resto de los espectadores.

 

Escrito por: Alejandro Glade R.

 

Consejos para composición.

Por: Alejandro Glade R. 

Aquí les recuerdo 6 consejos de composición que a menudo se necesitan y no hay que dejar de pasar por alto…

Cuando los apliquemos, mejoraran mucho sus fotos, así que espero que las encuentren útiles.

1. Ponga algo en primer plano y algo en segundo plano. Suena como obvio, pero es impactante la frecuencia con la que esto se olvida.

                             

2. El primer plano no siempre tiene que tener algún significado estando en la parte inferior del marco y el plano de fondo no siempre tiene que significar algo estando en la parte superior del marco.

Intente dividir la imagen de su composición por la mitad, colocando los objetos de primer plano a la izquierda y el fondo a la derecha del marco en lugar de abajo y arriba.

3. Si es necesario cortar un objeto en el borde de una foto, ¡hágalo con intención!

Si no puede colocar un objeto en el marco, resista la tentación de "captar tanto como pueda".

Si hay que cortar el cuadro córtelo en un lugar que tenga sentido. Por ejemplo, si tiene una montaña y solo recortaste la parte superior, probablemente se verá mejor si recortas más hacia adentro y haces que parezca que fue a propósito.

4. cree un punto focal en cada imagen.

La mayoría de las imágenes necesitan un punto focal, un lugar al que pueda ir el ojo.

Entonces, si está fotografiando una gran montaña que ocupa la mayor parte del encuadre, probablemente no sea suficiente a menos que haya algo interesante en esa montaña.

Intente colocar un objeto en primer plano para para que llame la atención la toma, o tal vez acentuar un rayo de luz particular que se proyecta a través de las nubes hacia un punto en la montaña, dando al ojo algo en lo que posarse.

5. Incluso sin mover la cámara, la escena puede cambiar constantemente.

Especialmente si estamos disparando largas exposiciones.

Cualquier cosa que se mueva mientras el obturador está abierto (agua, nubes, personas, animales, vehículos, etc.) tiene el potencial de crear una foto diferente cada vez que haces clic en el obturador.

A menudo el uso de corrientes de agua borrosas en el tiempo como elemento compositivo en los paisajes marinos, ahí cada ola será diferente.

6. ¡Recuerda probar composiciones horizontales Y verticales!

Simplemente gire la cámara 90 grados y tendrá una apariencia muy diferente al resultado.

Antes de instalar la cámara en su trípode, paso uno o dos minutos a pulso, mirando a través del visor, alternando entre vertical y horizontal constantemente para ver qué se ve mejor.

Estos son mis 6 consejos para la composición más comunes que tengo y que yo recuerdo constantemente cada vez que estoy disparando.

 

 

Escrito por: Alejandro Glade R.

El paisaje.

 Por: Alejandro Glade R.

PANORAMA DE WELVER

Cuando hablamos de paisajes, no nos referimos sólo a las tierras, sino también al cielo, al agua, o a los edificios. Los paisajes pueden ser rurales o urbanos, naturales o construidos por la mano del hombre. La mayor dificultad que presenta la fotografía de paisajes quizá sea superar la idea preconcebida de que “paisaje” y “panorama” son sinónimos, no lo son. Las vistas panorámicas tomadas con un gran angular muchas veces producen solamente un caos con colores mal combinados o inconexos que lo muestra todo sin revelar nada. Muchas buenas fotografías paisajísticas deben su acierto al haber adoptado un ángulo de toma más estrecho. Los teleobjetivos son la solución que reúne todo lo necesario cuando lo que se pretende es reducir el ángulo de campo.

Para este trabajo en paisajes se debe de considerar lo siguiente:

Composición – A este respecto, los cinco factores principales que debemos tener en cuenta son los siguientes:

1.       Elija un sujeto dominante.

2.       No se conforme con el primer ángulo de toma que pruebe, simplemente porque es lo que está mas cerca, investigue a su alrededor hasta encontrar uno apropiado para el sujeto.

DUSSELDORF

3.  Componga con cuidado el encuadre, estudiando el primer término, el fondo, la perspectiva, los elementos que se difuminan en la distancia y la posición del horizonte.

4.       Busque condiciones climáticas poco frecuentes, tales como niebla, tormentas en la lejanía o ventiscas para dar vida a sus escenas.

5.   Por regla general, Ud. Tratará de que sus queden bien definidos, desde el primer término al último. Utilice la menor apertura posible de diafragma. No ponga su máquina en automático hasta infinito, sólo porque el sujeto principal está lejos. 

ENTRADA A LUGAR DE WELVER

La hora del día.

Las escenas fotografiadas a mediodía suelen tener un aspecto vulgar y poco interesante si se las compara con otras situaciones de iluminación menos frecuente. La luz interesante inmediatamente antes y después del amanecer y de la puesta de sol. Las sombras se alargan interminables y los colores tienen tonos apagados que contrastan con la brillantez del cielo. Siempre que pueda, porque fotografiar los paisajes a primera o última hora del día.

 Dirección de la luz.

La iluminación lateral revela la textura de los objetos. La iluminación posterior subraya la profundidad. La luz frontal pone de relieve los detalles. Utilice la iluminación más indicada para las características de la escena que vaya a fotografiar.

 Defina con claridad algún elemento.

No se deje arrastrar de tal manera por la belleza de la escena que se olvide de todo porque lo mas importante es apuntar la cámara y disparar. La fotografía no va a reproducir sus impresiones y sentimientos automáticamente. Después de las correspondientes exclamaciones después de lo que ve, cálmese y analice la escena. Elija un árbol, un edificio, una colina o una combinación de colores, como base sobre la que construir la composición de la fotografía.

Destaque la sensación de profundidad.

Puede Ud. Evocar la sensación de profundidad mediante uno de los siguientes métodos (o varios de ellos combinados)

Encuadre la escena de manera que los primeros términos queden cerca del borde inferior y los últimos cerca del borde superior. Utilice aberturas pequeñas de diafragma para conseguir definición en todos los planos. Para aumentar la distancia entre los objetos próximos y los lejanos, use un objetivo gran angular. Recurra a la iluminación posterior o lateral para reafirmar las formas situadas a distintas distancias. Utilice líneas convergentes que arrastren la vista hacia la lejanía, tales como vías de tren, carreteras o vallas.

 Estudie la posición del horizonte.

Es importante la línea de horizonte en la fotografía de paisaje. Un horizonte bajo hace que la vista se pierda en la infinidad del cielo, mientras que un horizonte alto arrastra al espectador a un recorrido por tierra o agua. Evite colocar el horizonte a mitad del encuadre si con ello la escena adquiere un aire indeterminado.

PARQUE KRONENBURG

 Sea imaginativo.

No se limite a ver de forma automática los aspectos realistas del paisaje, los edificios, los montes o los árboles. Busque motivos abstractos. Capte el reflejo del cielo en un charco, las líneas paralelas de una valla, la franja del césped que divide un campo de maíz, cubierto todo ello por el cielo azul.

 Las manifestaciones de la naturaleza.

Nubes de tormenta y cortinas de lluvia que caen en la distancia, las nevadas y todas las demás manifestaciones de la naturaleza despiertan vivas emociones basadas muchas veces en el instinto de supervivencia.

 

 

 

Escrito por: Alejandro Glade R.

 

COMO TOMAR EXCELENTES FOTOGRAFÍAS DE VIAJES

 Por: Alejandro Glade R.

Si Ud. tiene habilidades básicas, le será fácil tomar excelentes fotografías de sus vacaciones. En este resumen, encontrará algunos consejos que lo ayudarán a tomar fotografías fantásticas de sus viajes y que disfrutará al cabo de años.

Plaza principal de Nijmegen, Grote Mark, Holanda

EL DRAMATISMO EN LAS IMÁGENES

El dramatismo en las imágenes es una carta, hay que hacerlo porque las hace más interesantes y atractivas al espectador. Una forma de agregar dramatismo a sus imágenes, es mostrar diferencias de escala. Esto puede hacerse agregando personas o características naturales de cosas grandes como monumentos, paisajes o simplemente un árbol.

Parque Kronenburg, Nijmegen, Holanda

DEBEN SER TOMAS LIMPIAS

Cuando estamos en frente de cosas nuevas y emocionantes, es fácil ignorar el fondo. Pero antes de presionar el disparador, observemos bien lo que realmente estamos fotografiando. En algunos casos, moverse unos pocos metros podría eliminar el desorden no deseado, como líneas eléctricas, publicidad o personas caminando.

FOTOGRAFÍAR LUGAREÑOS

No importa por qué parte del mundo estemos viajando, en primera instancia debemos ser corteses y aprende a decir algunas cosas básicas como "¿Puedo tomarle una foto?" en el idioma local por supuesto. Ofrezca enviarle una copia a quienes fotografíe; asegúrese de tener un cuaderno pequeño o un lápiz para anotar nombres, direcciones o correos electrónicos.

Estación de trenes, Amberes

LAS FOTOS QUE TOME DEBEN SER ÚNICAS

La fotografía espontánea es la mejor cuando se viaja, pero los retratos ocasionales de familias frente a vistas espectaculares y lugares famosos forman parte de casi todos los álbumes de vacaciones. No te olvides de participar en la fotografía, ya que normalmente el fotógrafo nunca sale en las fotos, por eso use el disparador automático o el obturador remoto.

Mercado deVentas en Nijmegen, Holanda

Las fotos tienen que ser las que le interesen… no se deje llevar por las fotos que tiene que tomar, como las que se muestran en postales de tiendas de regalos. Porque puede comprar algunas postales para agregar a sus recuerdos de vacaciones. Los personajes únicos son excelentes para las fotografías de viajes, así que esté atento a estas oportunidades.

Plaza principal de Bruselas

TODA FOTOGRAFÍA TIENE UNA HISTORIA

Las fotografías cuentan historias, por lo que sus fotos deberán contar la historia de sus vacaciones, por lo que tome fotografías desde el momento en que parte hasta su regreso a casa, así que asegúrese de capturar todos o la mayoría de los momentos. Incluya aspectos destacados como sus vecinos, una comida inusual que tuvo, diferentes actividades, como una mirada en el rostro de un miembro de la familia. Una vez que ya esté en casa y mire todas las fotos, seleccione aquellas que mejor reflejen su viaje y enmárcalas en tu pared si es posible, y ese viaje se recordará por siempre.

Joyería de Alex en Nijmegen, Holanda

LOS NIÑOS DEBEN INVOLUCRARSE EN TUS FOTOS

Si viaja con niños, anímelos a que se tomen fotografías y déjelos a que ellos tomen fotos si son más grandes.

Ya estando de vueltas de sus vacaciones, puede crear un divertido álbum de fotos para recordar. Durante sus vacaciones, asegúrese de tomar notas para que luego pueda agregar leyendas a sus fotos.

NO OLVIDE EL CUIDADO DE LA CÁMARA

Si va a estar cerca o en el océano, lleve una cámara a prueba de agua. Tenga cuidado con el agua salada y la arena, ya que pueden causar estragos en su cámara.

Y esto último es bastante importante, no todas las imágenes saldrán bien; incluso el fotógrafo más experimentado toma malas fotografías. No hay que desilusionarse, por eso es bueno como solución, llevar tarjetas de memoria adicionales.

No olvidemos preparar siempre la cámara para el día siguiente recargando las baterías y reemplazando la tarjeta de memoria. Al hacer esto, ¡estará listo para salir!

Tomar fotografías de viajes y vacaciones puede ser muy divertido y relativamente fácil. Regresando a casa, tendrá muchas imágenes fantásticas para compartir con sus amigos y familiares.

 

Escrito por: Alejandro Glade R.

LOS MITOS DE LA FOTOGRAFÍA HDR

 Por: Alejandro Glade R.

HDR significa alto rango dinámico, es un tema que recibe mucha atención, tanto positiva como negativa, dentro de la comunidad fotográfica. Debido a que el tema puede ser tan polarizante, parece que hay muchos mitos o malentendidos en torno a la fotografía HDR. En este artículo, les indicaré que mitos comunes hay con el tema y por qué no son ciertos.

 a)  TOMAMOS MALAS FOTOS Y HACERLAS BUENAS CON EL HDR

Si he visitado por mucho tiempo sitios como Flickr, y otras comunidades que comparten fotos, y si Ud. también lo ha hecho, probablemente haya notado que algunas fotos HDR realmente le llaman la atención. A veces hay una tendencia a pensar que, si se puede usar HDR para obtener una imagen más intensa, podemos convertir fotos promedio, o incluso por debajo del promedio, podríamos convertirlas en algo especial como las que llaman la atención. La verdad es que HDR no es una cura para las malas fotos. Para obtener buenos resultados, debemos concentrarnos en capturar la mejor imagen posible. HDR es una opción disponible, pero no es una manera fácil de mejorar la calidad de cualquier foto.

            b) HDR ES UNA ALTERNATIVA PARA MEJORAR MALAS EXPOSICIÓNES

Al procesar imágenes HDR, normalmente trabajará con 3, 5, 7 o incluso más exposiciones de la misma escena. A veces, la idea es que, dado que está poniendo entre paréntesis algunas de las exposiciones, realmente no necesita preocuparse por obtener la exposición correcta. Si bien es cierto que el horquillado puede ayudar a reducir el riesgo de perder la exposición adecuada, para obtener los mejores resultados con HDR necesitará tener una toma que esté correctamente expuesta, o muy cerca de ella, y otras exposiciones horquilladas que se extiendan. desde allí. Si está trabajando con tres exposiciones entre paréntesis y la primera está desactivada, las demás también lo estarán.

   c) LAS FOTOS INTERVENIDAS CON HDR NO PARECEN REALISTAS

Es cierto que algunas fotos HDR tienen un aspecto extremo y poco realista, pero este no es el caso en todas las situaciones. Hay muchas imágenes HDR geniales que obviamente no son HDR, y tienden a tener un aspecto más realista. En algunos casos, el procesamiento HDR se usa para crear intencionalmente una imagen extrema, sucia o poco realista, pero esto no significa que los resultados realistas y menos extremos no sean posibles con HDR. De hecho, Photomatix Pro, que es probablemente el software HDR dedicado más popular, realizó mejoras en la última versión para mejorar las posibilidades de obtener resultados realistas.

              d) NECESITARÉ UN SOFTWARE ADECUADO PARA REALIZAR EL HDR.

Cuando se trata de procesar imágenes HDR, hay una serie de opciones de software que se han creado específicamente para este propósito. Algunas de las principales opciones incluyen Photomatix Pro, Nik HDR Efex Pro, HDR Merge en Luminar Neo y HDR Darkroom. Si ha dudado en probar HDR porque no quiere comprar más software, se sorprenderá al saber que hay otras opciones. Si ya usa Photoshop (CS5 y posterior), tendrá acceso a HDR Pro, que le permite fusionar múltiples exposiciones en Photoshop. También puede hacer una combinación de exposición manual usando múltiples exposiciones en capas separadas y usando máscaras en lugar de usar software automatizado.

     e) NECESITA MÚLTIPLES EXPOSICIONES PARA CADA IMAGEN

Si no tomó varias exposiciones entre corchetes de una foto en particular, puede asumir que HDR no es una posibilidad, pero en realidad tiene algunas opciones. Si está trabajando con un archivo RAW, puede usar Lightroom o Camera Raw para crear exposiciones entre corchetes aumentando y disminuyendo la exposición de su foto y guardándolas por separado del mismo original. Luego puede fusionar sus exposiciones para crear una imagen HDR. En algunos casos, esto no producirá resultados tan buenos como si hubiera agrupado las exposiciones en la cámara, pero es posible que descubra que es una opción adecuada para algunas imágenes.

Otra opción es usar Lightroom o Camera Raw para aumentar el rango dinámico al hacer ajustes en las sombras y luces de su imagen. A menudo es posible, especialmente cuando se trabaja con archivos RAW, obtener una apariencia similar a HDR simplemente ajustando algunas configuraciones en Lightroom. Puede usar ajustes preestablecidos de HDR para lograr esto, o ajustar manualmente la configuración como luces, sombras, blancos, negros, claridad, contraste, intensidad y saturación.

    f) EL HDR EN LA CÁMARA REEMPLAZA EL PROCESAMIENTO HDR

Algunas cámaras, especialmente los modelos más nuevos, ofrecen un modo HDR que procesará sus imágenes HDR directamente en la cámara. El modo HDR funcionará de manera diferente dependiendo de su cámara, pero generalmente agrupará automáticamente múltiples exposiciones, las combinará en la cámara y guardará el resultado como una imagen separada. Esta puede ser una manera fácil de comenzar con HDR si su cámara ofrece este modo, pero no siempre es la mejor opción. Algunas cámaras solo guardan la imagen HDR terminada como un JPG en lugar de un archivo RAW, y algunas cámaras solo guardan la imagen HDR fusionada/combinada y descartan las exposiciones entre paréntesis. El modo HDR puede ser una buena manera de comenzar, pero dependiendo de su cámara, puede restringir sus opciones para procesar la imagen. En la mayoría de los casos, obtendrá los mejores resultados y la mayor flexibilidad procesando la imagen usted mismo.

           g) NECESITAS UNA CÁMARA DE GAMA ALTA PARA HDR

No, no necesita una cámara costosa para comenzar con HDR. Siempre que pueda ajustar manualmente la exposición de sus tomas, puede crear imágenes HDR con su cámara. El uso de la función de horquillado automático en una DSLR puede ser un buen ahorro de tiempo, pero incluso si su cámara no ofrece horquillado de exposición automática, aún puede ajustar manualmente la exposición entre cada disparo al horquillado según sea necesario. Esto lo ralentizará un poco, por lo que puede limitar los tipos de escenas que puede capturar, pero ciertamente es posible.

   h) HDR ES IMPOSIBLE CUANDO HAY MOVIMIENTO EN LA ESCENA

La mayoría del software de fusión HDR incluye algún tipo de eliminación de fantasmas que ayuda a lidiar con los objetos que se mueven entre tomas. Al usar la función de eliminación de fantasmas, a menudo puede lidiar con pequeños movimientos que de otro modo podrían causar problemas. Si está lidiando con movimientos más grandes o más rápidos que no se pueden abordar mediante la eliminación de fantasmas, puede recurrir a cualquiera de las técnicas que se mencionaron en el punto número cinco:  crear exposiciones múltiples a partir de la misma toma y luego mezclar, o usar Lightroom o Camera Raw para aumentar el rango dinámico y procesar una sola imagen.

 

Escrito por: Alejandro Glade R.

La fotografía con flash

 

El flash es una herramienta muy simple pero igualmente poderosa que siendo bien usado eleva la fotografía a un nivel superior. El uso de un flash brinda más control sobre cómo dar forma a su luz y le permite ofrecer resultados más consistentes. Sin embargo, hay algo sobre el uso del flash que asusta a muchos fotógrafos principiantes.

Ese miedo queda fuera de lugar una vez que se domina algunos de los conceptos básicos, por eso digo que trabajar con flash es muy fácil.

Los sistemas de cámara y flash compatibles e incorporado pueden funcionar en modo automático, que se conoce como modo "a través del lente" o TTL. En este modo, los dos sistemas trabajan juntos para dar una configuración que, según ellos, expone el tema correctamente. Sin embargo, su Ud. elige trabajar en modo manual, también le resultará genial. Comenzar en el modo manual es una forma fantástica de obtener un conocimiento práctico de cómo funciona un flash. Le recomendamos que lo haga y se esfuerce con el modo manual.

Luego, existe una gran cantidad de temas que un principiante puede practicar al comenzar con la fotografía con flash, incluida la velocidad de sincronización, la potencia y la duración del flash.

Comprender la velocidad de sincronización es esencial para saber qué tan rápido puede ir con su velocidad de obturación cuando se trabaja con flash; Si no comprende esto, sus fotos saldrán con bandas negras que harán que sus resultados sean inutilizables. Luego está la potencia del flash, que controla la salida de luz del flash, y la duración del flash, que es el tiempo en que el flash emite su luz. Estos dos factores juegan un papel muy importante a la hora de determinar el brillo de la imagen y la nitidez de los sujetos que también pudieran estar en movimiento.

Trabajar con flash también significa considerar la cantidad de luz ambiental que desea que afecte a su imagen. Y esto significa jugar con la apertura, la velocidad de obturación y el ISO. Estos principios básicos son fundamentales para trabajar con flash.

“No importa cuán larga o corta sea la velocidad de obturación, siempre que esté por debajo de la velocidad de sincronización, consumirá toda la potencia del flash. Así que no importa a qué velocidad de obturación estés, la potencia del flash será exactamente la misma”.

Al principio, trabajar con un solo flash puede parecer abrumador. Pero una vez que te sientas cómodo, puedes dar un paso más y comenzar a trabajar con varios flashes para crear realmente la luz según tus necesidades.

 

 

Escrito por: Alejandro Glade R.