jueves, 24 de agosto de 2017

¿Está usted usando sólo los modos automáticos?


Rapa Nui
¿Eres el tipo de fotógrafo que dispara en modo Manual? ¿O  usas los modos de exposición totalmente automáticos de tu cámara, como Programa? Si siempre le gusta  trabajar totalmente en automático, es muy posible que nunca haya prestado mucha atención a la configuración de la exposición de la cámara, lo que es la ISO, la apertura y la velocidad de obturación.

Rapa Nui

Lo que es la apertura, probablemente ya lo sabe, controla la profundidad de campo. La velocidad de obturación afecta  la forma en que los sujetos en movimiento son capturados por la cámara. Pero ¿qué pasa con la ISO? ISO es un ajuste notable que le permite tomar fotos en cualquier tipo de escena,  con la luz del sol brillante o con la luz de las velas. Gracias a ISO, su cámara digital es tan versátil.


Daremos un vistazo más profundamente acerca de la ISO y lo que la elección en la configuración ISO significa para sus fotos.

¿Qué es la ISO?

Resumiendo y en una forma fácil de entender la ISO es una medida de la sensibilidad del sensor de la cámara a la luz. La configuración ISO más baja de la mayoría de las cámaras digitales es de 50, 100 o 200. Con este ajuste, el sensor de la cámara es menos sensible a la luz. Y los ajustes más altos, como 3200 o  6400, el sensor es más sensible a la luz.

¿De dónde viene ISO?

Las letras ISO corresponden a la Organización Internacional de Normalización (más conocida como la Organización Internacional de Normas). La Organización Internacional de Normas establece los criterios que los fabricantes de cámaras utilizan para calibrar los ajustes ISO en sus cámaras.

La idea es que diferentes combinaciones entre cámara y lente produzcan los mismos resultados con la misma abertura, velocidad de obturación y ajustes ISO

La Mano del desierto es una escultura ubicada a
 75 km al sur de Antofagasta.
Mario Irarrazabal


En la práctica, a menudo hay variaciones en la precisión de los ajustes ISO entre diferentes modelos de cámaras. Pero en su mayor parte, estas  diferencias son menores y no hay de qué preocuparse.

Cómo usar la ISO

La ISO es parte del triángulo de exposición. Funciona con la velocidad de obturación y la apertura. Le dan una buena exposición para el nivel de luz ambiente de su escena. Uno de los beneficios de las cámaras digitales es que la ISO es una variable que puede cambiar de disparo en disparo si es necesario.

La ventaja es que usted puede utilizar su cámara digital en casi cualquier situación de iluminación. Cuando los niveles de luz son bajos, tiene la opción de subir la ISO, además de utilizar una apertura más grande o una velocidad de obturación más larga, todo esto le ayudará  a obtener una buena exposición.


Pero debe tener en cuenta que elevar la ISO tiene un efecto secundario: aumenta la cantidad de ruido en sus fotos,(grano) especialmente en los tonos más oscuros. Esto ya casi no es problema, fue problema ya hace 10 años, actualmente los sensores modernos son capaces de hacer altos ajustes ISO. Pero se necesita ser consciente en su uso.


Utilice una baja ISO, como de 50 para una foto de paisaje, y una velocidad de obturación lenta para lograr desenfocar el agua por ejemplo, pero la calidad de la imagen será óptima.

Utilicé una alta ISO, como de 6400 para una foto en interiores con condiciones de poca luz.

Cómo evitar tomar fotografías con la ISO automática.

Si utiliza los modos de exposición de los programas que traen las cámaras, como Prioridad de Apertura, Prioridad de Obturador o Manual en su cámara, podemos configurar la ISO en lugar de dejar que la cámara decida por usted. Le animo a hacer esto ya que le hará pensar en la relación entre ISO y calidad de imagen.

Hard Rock, Santiago
Esto es muy relevante en condiciones de poca luz. Por ejemplo, digamos que se encuentra en una situación en la que está sosteniendo la cámara, por lo que no puede usar una velocidad de obturación lenta, para lograrlo necesitará elevar la ISO o abrir la apertura para obtener la exposición correcta.

Si abre la apertura, tendrá menos profundidad de campo. Si aumenta la ISO, tendrá más ruido. Por lo que hay que hacer una elección equilibrada. ¿Qué es más importante, el ruido o la profundidad de campo? Usted tiene el control, y no la cámara.

La ISO para paisajes, o fotografías arquitectónicas y de estudio.

Las imágenes de la mejor calidad, son aquellas con el menor ruido, siempre se harán  ajustes de ISO ISO 100 de manera que utilicemos apropiadamente  la luz del sol, pero es más difícil en condiciones de poca luz, por ejemplo el anochecer o los  interiores.
la más bajo posible. Puede utilizar una

Para esas situaciones, se puede usar una ISO baja si tiene un trípode para apoyar la cámara. El trípode le permite usar velocidades de obturación largas sin tener que preocuparse por el movimiento de la cámara. Por esta razón, las ISO bajas son ideales para paisajes y fotografía arquitectónica, donde es normal que los fotógrafos usen trípodes.

Las ISO bajas también son buenas para la fotografía de estudio, ya que la mayoría de las luces de estudio son lo suficientemente potentes como para dar una buena iluminación a una ISO 100.

Dicho esto, no hay razón para tenerle miedo a las altas ISO de su cámara. La clave es probar su cámara en cada ajuste ISO, alto (1600, 3200, 6400, 12800, etc.) así podrá ver cuánto ruido obtiene en sus imágenes y cuál es su tolerancia personal para el ruido con su cámara. Por ejemplo, puede encontrarse satisfecho con las imágenes tomadas en ISO 6400, pero no en 12.800. Una vez que haya establecido que le sirve, usted podrá trabajar dentro de las limitaciones.

Santiago de Chile

Temas como retratos con luz natural o fotos tomadas en interiores, a menudo requieren ajustes ISO altos, especialmente si se realizan cuando los niveles de luz ambiente son bajos, como el anochecer. Las altas configuraciones ISO de las cámaras modernas son un gran beneficio en condiciones de poca luz, ya que le permiten experimentar con la toma de fotos lo que hace años sólo se podía hacer usando un trípode (y velocidades de obturación lentas) o mediante un flash para dar más luz a la escena.

Otro tipo de fotografía en las que se usan altas ISO, es la astrofotografía. Se requieren ajustes de altas ISO para obtener una buena exposición del cielo nocturno, para capturar las estrellas sin el efecto de arrastre creado por el uso de velocidades de obturación de más de 20 segundos.

Los recientes avances y las innovaciones en la tecnología de la cámaras, llevan a los fotógrafos a obtener grandes resultados con sus cámaras en ajustes de la ISO hasta 6400 y más allá. Es una revolución que ha cambiado la manera de trabajar en algunos fotógrafos, ahora  se tiene la posibilidad de trabajar más creativamente en condiciones de poca luz. Pero también es importante entender que a veces es mejor usar ajustes ISO bajos para obtener mejor calidad de imagen.


Escrito por: Alejandro Glade R.




lunes, 7 de agosto de 2017

Grandes fotos de nuestra naturaleza


Si usted está tomando una imagen de una planta de su jardín o un animal de alguna zona de naturaleza abierta, el lograr esto significa  capturar una gran foto al aire libre trabajando junto a la madre naturaleza, pero no debemos imponer nuestra voluntad fotográfica sobre ella.

Son muchos los factores que entran en juego cuando tomamos una fotografía de nuestra naturaleza; sol, nubes, viento, lluvia, granizo, aguanieve o nieve, como también la fotografía de animales en su hábitat nativo, también tienen sus propios ruidos, olores y movimientos que tenemos que tratar.

Pachingo, Tongoy, Chile
Puede ser compleja la fotografía misma, pero el disfrute por el que pasaremos para tomar estas fotografías de la naturaleza superará con creces el tiempo dedicado y el esfuerzo que haremos para poder obtenerlas. En lugar de simplemente hacer clic en una instantánea a cualquier árbol, una fotografía un poco más estudiada en cuanto a técnicas, encuadres, luces y composición, nos entregará una fotografía de la que estaremos orgullosos de colgar en nuestra pared como una obra de arte. O, incluso podría llegar a ser tan buena que  aparecerán personas interesadas en comprar algunas de sus mejores fotos.

"Reflejos"
La mayoría de las personas aprecia una foto de nuestra naturaleza. Es fácil para los espectadores integrarse en la imagen, incluso si esas personas nunca han estado en las montañas por ejemplo…, la gente disfruta mirando fotos de la montaña porque las transporta, al menos por un breve momento, a un lugar tranquilo.

Este artículo le ayudará a sacar el máximo provecho del tiempo que pasa al aire libre con su cámara, aquí hay cinco consejos fundamentales para tomar mejores fotos de la naturaleza. Como fotógrafo, he aprendido que si se acercan a la fotografía al aire libre con la mentalidad correcta, es seguro que tendrán éxito, a menudo de maneras que nunca se esperan.


Comprender la naturaleza,  pero como dice el refrán, "No se puede luchar contra la Madre Naturaleza". Planee trabajar con los elementos que contenga el entorno natural que fotografíe. Un animalito en su patio por ejemplo, corrió al sentir el sonido de su obturador. Significa que debemos quitar el sonido del obturador, los animales en general reaccionarán a un sonido o acontecimiento extraño en su medio.


"Ave en la playa"

Los animales, los árboles, los arbustos, la hierba, todo lo relacionado con la naturaleza funciona de manera única en diferentes condiciones climáticas. Si queremos hacer una buena fotografía  necesitamos entender las condiciones en las que estamos trabajando y el tema que estamos fotografiando.

Recuerdo que caminando a lo largo del humedal de “Pachingo” en Tongoy,(Chile) hace muchos años,  una gran laguna natural con muchos animalitos y aves. Me encontraba buscando una oportunidad para fotografiar, pero no veía nada notable. Una fotografía que abarcara un gran campo era difícil, pero me di cuenta que había un disparo fantástico justo a mis pies. Era la naturaleza con lindos colores verdes con sus aves, que se habían formado justo donde yo estaba. Era un color hermoso, y contrastaba bien con el agua. Durante esa salida terminó siendo uno de mis disparos más, que me trae el recuerdo de la belleza del lugar.

Pachingo, Tongoy, Chile
Estar preparado. Estudiar el área que planeamos fotografiar, aunque sea tu propio patio trasero. Mire cómo la luz juega con las flores de su jardín en diferentes momentos del día, considere también las diferentes condiciones de nubes. Preste atención a los patrones de las aves. Los animales son criaturas de hábito, y el tiempo y la luz son algo predecibles.

Reflejos de la luna
Lo mismo ocurre si usted planea aventurarse en lugares desérticos. Familiarícese con el entorno local hablando con los lugareños, viendo los informes meteorológicos en Internet o en la televisión y tómese un tiempo para familiarizarse con su entorno.

Revise su equipo. Si usted está tratando de obtener un disparo cerca en la naturaleza, incluso si está utilizando un teleobjetivo, apague el autofoco y el autoflash. Conozca los ajustes de su cámara, desde el f-stop y la velocidad de obturación hasta los ajustes de la ISO.

Experimente en su casa y en el campo. Después de comprar una nueva cámara, tome una serie de disparos alrededor de su casa, en variedad de condiciones. Pase alrededor de una hora o así que caminar alrededor de su barrio, tenga el manual de instrucciones a mano, y pruebe todas las características. Utilice diferentes exposiciones y ajustes. Haga esto como un refresco de vez en cuando también. Vale la pena el esfuerzo, así se  irá familiarizando y memorizando de su funcionamiento.

Sea paciente. Los acontecimientos naturales ocurren cuando ocurren. El resplandor perfecto de la luz del sol, que juega sobre los arbustos, los colores irán apareciendo frente a usted, siempre estará ahí, sólo se tiene que dar cuenta de ellos. Mantenga la cámara lista y no fuerce la toma. Usted puede llegar cinco minutos tarde para un gran tiro, pero usted puede llegar cinco minutos antes para el tiro perfecto.

"Vista nocturna"
Tener un resultado en mente es difícil, porque todo debe coincidir, pero hay que estar listo para lo inesperado. Si se sale a buscar flores en un bosque, es probable que encuentres algo. Así que esté listo con un teleobjetivo, y un trípode si es necesario, tal vez un libro de observación de aves para ayudar con el reconocimiento, y algo cómodo para sentarse. Lleve comida y refrigerios, pero no alimente a los animales. Imagine el tiro que desea. A menudo obtendrá algo bastante cercano a lo pensado.

Pero no cierre su mente, porque existen otras posibilidades. El sol puede ser absolutamente perfecto a alguna hora del día, y usted pode conseguir una imagen imponente de los rayos de la luz del sol que atraviesen la frondosidad del bosque.

Salida de la Luna sobre Hernández, Ansel Adams
Existe una famosa fotografía de Ansel Adams llamada "Salida de la Luna sobre Hernández" en Nuevo México, él contó que fue tomada mientras conducía por una carretera. Paró y se bajó del auto, saltó, agarró su cámara, tomó un una imagen... y lo logró, porque estaba listo para lo inesperado.

He tenido experiencia similar. Era de noche, y me encontraba caminando por los alrededores de mi lugar de veraneo buscando una buena imagen. Había estado caminando un rato, listo para rendirme y volver a casa, cuando una luz me llamó la atención era la luna saliendo. Me encontré con la fotografía del minuto, hice varias tomas y obtuve algunas fotos bastante aceptables. Hice para mí, una imagen hermosa, y una que nunca habría conseguido si no hubiera estado listo para lo inesperado.

Cuando se trata de fotografiar algo al aire libre, no se deje engañar al pensar que puede controlar el tema. Todo lo que puede controlar es su equipo y su conocimiento sobre el tema. Así que con la cámara correcta, una comprensión de la naturaleza, y un poco de paciencia, es probable que obtenga el reconocimiento como un fotógrafo excepcional al aire libre.



Escrito por: Alejandro Glade R.





lunes, 3 de abril de 2017

Fotografía HDR; como hacerlas y por qué!


Con respecto a lo que se refiere a fotografía réflex digital, les daré una reseña de la fotografía HDR y por qué.

Por alguna razón, este tema se ha convertido en un tema, en algunos fotógrafos. Algunos confían en él, y otros lo odian!

La definición de la fotografía HDR es el sinónimo de Alto Rango Dinámico,(HDR) es un área en la que se puede ser muy detallista, además que técnicamente está lleno de fórmulas.

Sobre este tema al igual que para la mayoría de los temas sobre la fotografía misma, la luz será lo más importante, y les daré algunos conceptos básicos.

Para conseguir grandes fotos del atardecer por ejemplo, me referiré a varias cosas. Si exponemos o disparamos hacia el cielo, la tierra nos saldrá por lo general poco expuesta lo que hará que salga oscura o negra. Si se dispara exponiendo hacia la tierra, el cielo perderá su belleza y color.

Esto es debido a la gama dinámica de la película o del sensor digital. Esto se conoce generalmente como rango dinámico estándar o (SDR). Cuando los detalles de la escena exceden el rango dinámico estándar, estos detalles se pierden.

En un disparo hacia una puesta de sol, anteponiendo una silueta de una persona. En SDR se pierde todo el detalle de la persona, entregándonos una persona en un color negro mate.


Algunos de los detalles se pueden recuperar mediante el uso de graduados o filtros de densidad neutra. Con ellos podemos contener algo de la luz del cielo, permitiendo que la exposición sea más amigable con el suelo. Pero existe otra manera.


¿Qué pasa si tomamos múltiples disparos? Podríamos tomar una foto del cielo con una exposición perfecta, y otra de la tierra con sus ajustes perfectos, y luego con Photoshop o algún otro programa, podríamos mezclarlos y combinarlos!

Y  como resultado tendíamos un cielo perfectamente expuesto y un suelo perfectamente expuesto!

Esta solución sería con un disparo simple, con dos exposiciones. Normalmente, habría que hacer por lo menos tres disparos. Pero con dos sería, uno con los ajustes del cielo, con una exposición “normal”, y una con exposición ideal del suelo.

He visto en Internet algunas de estas fotos HDR, tomadas con más de seis exposiciones  en bracket! u Horquillado, que significa que usted está disparando exposiciones que van por encima y por debajo de la exposición “correcta”. Eso es estar trabajando en “Horquillado”.

Suponiendo que usted ha hecho una serie de 7 exposiciones, desde la manera más expuesta  hasta la última que sería la menos expuesta. Cuando se combinen, obtendremos una gama dinámica que es más alta que lo que el monitor del computador nos es capaz de mostrar.

Tenemos que decir que, HDR tiene que ver con los bits, la luminosidad y así sucesivamente... pero tengo que agregar que para estas soluciones  hay varios programas que están diseñados para trabajar en esta magia. (Antiguamente esta magia se trabajaba analógicamente en un laboratorio)

El debate que se produce sobre HDR, es que si es o no es una imagen  “pura” creada en la cámara. (No debemos de olvidar que nuestro antiguo laboratorio ahora es un computador) Para trabajar en HDR debemos tener algún tipo de programa en un computador, para trabajar y poder combinar las imágenes. Los enemigos de la solución HDR son los mismos que utilizan filtros de adición para oponerse a  los retoques, etc.

Mi apreciación, y muy personal por lo demás,  es que la imagen es la que cuenta. Si nos gusta lo que vemos, no importa cómo se llegó a ellas, la técnica no es lo que cuenta, lo que cuenta al final es el resultado, “la imagen”.


Por qué hacer  fotografía HDR, cómo hacerlo y por qué, es muy simple,  el resultado final puede

visualizar con mayor precisión lo que sus ojos vieron y se sorprenderá porque los resultados que se obtienen son bastante impresionantes.

Requiere de paciencia… una gran cantidad de fotógrafos han tirado todo por la borda con esta técnica por haber tenido resultados muy malos. Creo que esto es lo que alimenta  a los anti  HDR, que no son pocos.


La fotografía HDR, cómo hacerla y por qué... es lo que debe hacer el fotógrafo, debe de experimentarlo para ver si le gusta la técnica o no!  Como sabe si no descubre alguna variante que al final le resulte como una técnica propia! Pruebe programas para experimentar con el HDR.




Escrito por: Alejandro Glade R.





La caída y la falta de inspiración en la fotografía


Un simple muro antiguo,
con los años va a dejar de existir!
¿Cuántas veces se ha preguntado por qué después de un período en que fue productiva su labor en la fotografía, de repente paró y ya no dispara mucho?  Mira y observa por la ventana y ve  que las condiciones son perfectas para la foto, sin embargo, decide quedarse en la casa a ordenar  y reorganizar su cajón de los calcetines por ejemplo.

Usted ha dado en el clavo, y lo peor de todo es que usted está consciente de ello, y no se siente cómodo con este detalle y lo que es peor, lo hacen quedar en la duda y no sabe cómo salir de la cuestión.

La inspiración es algo ilusorio pero no deja de ser importante, y aparecen en tiempos y lugares que uno nunca imaginó, estos pueden ser un recuerdo de algo, ideas e inspiraciones que pueden salir después de alguna  lectura, o por el título de alguna película.


Tinajas y  pipas...

Y luego, cuando ya está inspirado, vienen preguntas como si el nuevo proyecto es el correcto, si será ese el estilo, o si vamos simplemente en la dirección correcta con la idea de su trabajo.

 El asunto es que la fotografía es en gran medida un viaje donde podemos fallar, o tener éxito, fallas que pueden ocasionarse por pequeños detalles como no poner la ISO correcta, o después de revisar la foto nos damos cuenta que la foto fue un éxito. Trabajo que nos permite volver a evaluar lo que estamos haciendo y hacia dónde nos dirigimos con nuestro trabajo. Toda inspiración tiene sus ajustes a medida que va cambiando nuestra percepción.

Estoy seguro de que si le preguntamos a algún fotógrafo amigo, más de alguno le dirá que ha terminado deprimido con alguna de sus salidas, y ha tratado de resolver más encima el problema dedicándole muchas horas al Lightroom para al final desechar todo, y cuestionarse de su capacidad como fotógrafo.


Pero cuando nos criticamos nosotros mismos, y lo que es peor, nos comparamos con otros, para darnos cuenta de que el trabajo de alguien tuvo una gran cantidad de fallas antes de ser compartida con el resto del mundo.

Es normal, yo entro y salgo de estas crisis, pero por muy poco. Entro en períodos en el que olvido detalles  que me dejan lleno de dudas y me pregunto si lo que he hecho tiene algún contenido.

Construcción en medio del bosque


Lo importante es aliviar los temores con el hecho de sólo pensar en salir a buscar,  el tema puede que no lo tengamos muy claro pero no importa en esto de la fotografía hay que ser optimista, y siempre creer que lograremos conseguir lo que estamos pensando. Es como cuando uno no tiene dinero, pero sabe que llegará pronto el día del pago, y esos temores se alivian y se vuelve a estar bien.



La fotografía no es como un examen de matemáticas donde se espera que desarrolle los pasos del problema, y el éxito puede ser desfavorable cuando le falta algo, en la fotografía el resultado final que se obtenga es el que será discutido y criticado.


Debemos entender cómo funciona todo esto, disparemos y disparemos, en color, en blanco y negro, con grano o sin grano, compartamos y aceptemos crítica, al final los trabajos irán saliendo coherentes con los temas.


Pileta de patio




Tenemos que hacernos la idea de que la fotografía es lo que queremos que sea y no existen definiciones de otras personas. Un gran fotógrafo dijo una vez cuando se le preguntó por su fotografía, “No hay ninguna historia, es sólo una cuestión de formas y la luz.” Es una afirmación totalmente real y verdadera, porque él es el que más sabe de su propio trabajo, mas que cualquier otra persona.

El deprimirse, por estas cosas que suceden, pueden ser tiempos de reflexión que sirven para vaciar la mente de formas a lo mejor herradas de pensar, y volver con un nuevo pensamiento creativo para que tome su lugar. No voy a mentir, las caídas no son buenas para nadie, pero cuando nos damos cuenta que estamos insertos en ellas debemos pensar en doblarles la mano con algún otro pensamiento nuevo, que por lo general nos hará dar vuelta la hoja.








Escrito por: Alejandro Glade R.










sábado, 11 de marzo de 2017

Ejercicios creativos para lograr ser mejor fotógrafo.


Uno siempre piensa que necesita una gran cantidad de equipo de fotografía para ser más creativo. Puede ser cierto, por ejemplo la macro fotografía, es mucho más fácil con un objetivo macro, la creatividad funciona mejor dentro de algunas restricciones.

La pregunta es: ¿cómo convertirse en un fotógrafo más creativo sin necesidad de comprar más equipo? Algo que me ha resultado se los traspaso a ustedes, a lo mejor puede darles nuevas habilidades para dominar.


Primero, encontrar un tema nuevo
A todos los que nos gusta la fotografía, tenemos un tema favorito y otros fotografían de vez en cuando.  Para mí, los temas están en todo, puede salir un buen tema en el minuto menos pensado, pero si incluiría, naturalezas muertas, y fotografías de alimentos. El primer desafío es encontrar un nuevo sujeto, y que debe ser algo que usted no haya fotografiado antes. Incluso es mejor cuando necesita aprender nuevas técnicas.


Por ejemplo, si usted es un fotógrafo dedicado a la fotografía de paisajes y nunca ha tomado fotografías de noche. Puede ser, es un nuevo reto, el tomar algunas fotos del cielo nocturno. No se necesita ningún equipo adicional, sólo el deseo y su cámara para aprender una nueva habilidad.

Una vez que haya encontrado un nuevo tema, hágase la pregunta: "¿Cómo puedo llevar esto al siguiente nivel?"

Otro ejemplo sería, en un restaurante o cafetería, pedir comida, y tomar algunas fotos de ella. No hay mucho trabajo involucrado en una toma así, ya que la responsabilidad la tiene el chef para que el plato se vea bien.

Esta fotografía es mucho más difícil de hacer en la casa. La preparación de un plato partiendo desde cero, presentándolo adecuadamente para que se vea delicioso, es difícil pero no imposible. Es un tema con el que va a aprender mucho más sobre el proceso de la fotografía de alimentos.

Encontrar temas para hacer proyectos.
a foto. Una buena manera de identificar los temas, es buscar fotografías ejecutadas, y escoger sus favoritos que pueden ser entre diez y veinte fotos tomadas en los últimos doce meses. Examínelas analíticamente. Y vea ¿Qué temas se fotografiaban más? ¿Qué objetivos se utilizaron y cuales fueron con más frecuencia? Irán apareciendo respuestas automáticamente, verá que hay fotos en color, blanco y negro, y a lo mejor una mezcla de ambas?

Habrá temas que le ayudarán a decidir lo que desea fotografiar. Este es un ejercicio que no falla cuando estamos sin ideas, se irán acumulando diferentes temas después de que aparezcan las fotos que dominaron.  

No tengo pensado nada por el momento para este año, pero por ejemplo me puedo preparar para hacer fotografías de eventos culturales, en la calle o en recintos cerrados. La idea es construir un cuerpo de trabajo en torno a un tema interesante. El proyecto va a prosperar en la medida que lo persiga.




Nuevos tipos de luz.
Supongamos que a usted  le gusta hacer retratos de día con luz natural. ¿Le gustaría estar en algún lugar con su modelo al final del día y trabajar durante la hora de oro?

Pueden haber muchas variantes ¿con qué otros tipos de luz se puede disparar? Si normalmente usted dispara al aire libre, ¿qué pasa con una ubicación en un interior? Si le gusta trabajar en los días soleados, ¿por qué no podría ser un día nublado o lluvioso?

Tome fotos con estos tipos de luz, fotos en días de lluvia, fotos en días con niebla, fotos en los ocasos.
Se puede aplicar esto a cualquier género de la fotografía. Piense en el tipo de luz con el que usted prefiere trabajar, y cambie todo por probar algo diferente.

El lente correcto.
En el ejercicio anterior cuando escogimos las mejores imágenes  de los doce meses anteriores, se tomaron todas con algún lente,  vea cuales fueron los más usados y cambie. ¿Qué ocurre si se intenta algo diferente?

La idea aquí es que todo lente bien usado es el lente adecuado para el trabajo,  al menos que usemos un lente que no estamos acostumbrados a usar.

Imagínese, por ejemplo, que usted es un fotógrafo que un solo tipo de lente para hacer retratos . ¿Qué pasa si usted utiliza un lente gran angular en su lugar? ¿Cómo se puede hacer que funcione? El retrato se verá horrible si se acerca demasiado al modelo con un lente gran angular. Pero, ¿por qué  tomar la foto tan de cerca, no puede ser un enfoque más de ambiente?  Así  el modelo se convertiría en parte de la escena total  y el  lente gran angular en eso le va a ayudar en la captura. Este ejercicio le obligará a ver de manera diferente y encontrará formas creativas de utilizar aparatos desconocidos.





Conclusión
Estos ejercicios creativos le ayudarán a ser un mejor fotógrafo. Siéntase libre de adaptar y combinar, todo lo mencionado en este artículo. Por ejemplo, ¿qué ocurre si dispara un nuevo tema con un lente diferente más un filtro en un nuevo tipo de luz? Usted no sabrá hasta que lo intente, y se divertirá descubriéndolo.





Escrito por: Alejandro Glade R.







martes, 28 de febrero de 2017

JPEG vs RAW

Existe una controversia sobre si es preferible  usar y trabajar con formato JPEG (también puede ser JPG) o en formato RAW. Usted probablemente esté  familiarizado con el formato JPEG, pero todavía puede ser un poco confuso sobre lo que es el formato RAW. En esta ocasión les hablaré de por qué podría ser útil para usted, este artículo que espero le explique y le quede claro cómo funcionan estos formatos. Explicación que le ayudará a decidir cuál es el adecuado para usted.


JPEG  vs  RAW

JPEG es el formato de archivo más reconocido para las fotografías, así de simple. Es lo que se utiliza comúnmente para para cargar en la WEB o lo que se usa para imprimir imágenes, este formato JPEG o JPG es la forma más probable si va a enviar fotos por Internet.

Sin embargo, la definición de JPEG presenta algunas preguntas acerca del archivo de imagen que genera. El formato JPEG es descrito como el formato de compresión de imagen más común usado por las cámaras digitales por decirlo de una manera simple, pero técnicamente es un método de compresión de imagen, que tiene perdidas en las imágenes fotográficas. Esto hace que se cree un debate con respecto a esta idea de "compresión"  ¿Se debe utilizar este formato para tomar fotografías y almacenarlas en su computador?

La "compresión con pérdida" es lo que ocurre en la cámara, cuando se toma una fotografía en formato JPEG. La cámara está programada para comprimir los píxeles a un tamaño de archivo más pequeño, descartando algunos de esos píxeles, que comúnmente son esenciales para su definición. Dependiendo de la configuración que seleccionemos para la grabación de imágenes de nuestra cámara, habrá más o menos compresión. Por ejemplo, si se elige el tamaño de archivo más grande que tolere la cámara, para el disparo, la cámara hará que se descarte menos información que si se elige un ajuste más pequeño.

Supongamos que usted quiere tomar la mayor cantidad de imágenes como sea posible en su tarjeta de almacenamiento. El ajuste más lógico será el tamaño de imagen más pequeño disponible, y vamos a suponer que es 640 x 480, cuando la cámara es capaz de tomar una foto de tamaño completo en 3648 x 2736 (esto es posible con una cámara de 10 megapíxeles). Lo que la cámara hace es desechar todos los píxeles extra, y lo que se ve en la pantalla será lo  mismo que si se toma una imagen a tamaño completo, pero cuando usted intente ampliar esa fotografía para su posterior impresión, a 5 x 7, la calidad será inaceptable. Verá partes con manchas en la imagen, que amorosa y técnicamente llamamos como "imagen pixelada".


Además, cuando usted trabaja la imagen en su computador con algún tipo de software de procesamiento de imágenes como Photoshop, la imagen se comprime aún más cada vez que se guarda la imagen.

Al configurar la cámara para tomar fotografías en formato RAW, en el menú sobre la calidad de la foto, usted le está diciendo a la cámara que no procese la foto de ninguna manera, así conservaremos todos los píxeles de los que está compuesta la imagen. Así de simple.

El archivo resultante es bastante más grande que el archivo JPEG, es decir, la imagen de la más grande posible.

Lo que continúa por hacer con la fotografía tomada, antes de imprimirla o publicarla en la WEB, es procesar la foto en su computador, es algo así como cuando trabajábamos procesando con negativos una vieja película. (es para hacerse una idea de cómo funciona esto). Con el fin de ver a conseguir una impresión de un negativo, el negativo debe ser procesado. Lo mismo es con los archivos RAW, necesitaremos un software para procesar y convertir la fotografía en un archivo en un archivo utilizable para su impresión o su carga en la WEB.

Una diferencia importante cuando se trabaja en formato RAW, es que no se puede utilizar cualquiera de los modos creativos que trae su cámara digital. Sí, puede utilizar los ajustes manuales de apertura y velocidad de obturación.

En pocas palabras, la toma de fotografías en formato RAW le da un conjunto completo de píxeles para trabajar, pero hay que trabajar en el procesamiento.

Algunos fotógrafos son fuertes defensores del formato RAW, mientras que otros son fanáticos de JPEG.

En primer lugar, no todas las cámaras son capaces de tomar fotos en formato RAW. Normalmente las cámaras digitales compactas de apuntar y disparar, no tiene la opción del formato RAW.

 Los que apoyan la fotografía en formato RAW, es porque quieren utilizar todos los recursos disponibles para conseguir el mejor resultado en sus imágenes. Ese fotógrafo pretende tener el control total de sus imágenes usando el formato RAW.

Otros, y nos referimos a los profesionales, se han resistido al cambio y continúan utilizando el formato JPEG, porque son fotógrafos confiados en sus habilidades, que siempre obtienen buenos resultados con JPEG. Consideran que trabajar en formato RAW simplemente les aumenta su  trabajo. Dicen:  ¿Por qué vamos a querer pasar más tiempo en la computadora para conseguir lo que ya capturó la cámara?


Otra razón que esgrimen para no usar el formato RAW, es el tamaño del archivo, como se mencionó anteriormente, es más del doble en tamaños que el de las fotos tomadas con formato  JPEG. Es sistema RAW llena la tarjeta de almacenamiento muy rápidamente en comparación. Y también ocupa mucho más espacio en el disco duro.

Una buena razón para quedarse usando el formato JPEG, es que los formatos RAW son propiedad de cada una de las cámaras, esto significa que no hay una forma estándar para producir estos archivos. Por ejemplo: si estamos usando una cámara digital Canon, los archivos que produce, son diferentes a los que produce una Nikon, la extensión RAW de cada una de ellas es diferente. Canon usa CR2 en su extensión y Nikon usa la extensión NEF.

Muchos afirman que en el futuro, y a medida que avanza el tiempo, los archivos RAW más antiguos desaparecerán, porque necesitaremos el antiguo software también, para poderlos abrir. Es un problema que merece estudios ya que muchos de estos softwares antiguos ya no trabajarán en los computadores más modernos, como ocurre con muchos programas  en los que el sistema operativo no los reconoce.


Escrito por: Alejandro Glade R.




lunes, 16 de enero de 2017

Robert Whitaker, el fotógrafo que se hiso famoso por casualidad.



Robert Whitaker
Robert Whitaker, nace el 13 de Noviembre de 1939 y muere de cáncer el 20 de Septiembre de 2011, su trabajo se extendió a través del arte, la música, la moda y reportajes de las guerras de Vietnam y Oriente Medio, este fotógrafo británico, se dio a conocer internacionalmente, por todas las fotografías que tomó a los Beatles, entre 1964 y 1966.

Whitaker nació en Harpenden , Hertfordshire, Inglaterra, pero él decía que era más australiano que Inglés, ya que su padre y su abuelo eran Australianos.

Su carrera fotográfica comienza en Londres el año 1050, y se traslada a Melbourne en 1961, estudia en la Universidad de Melbourne, y adquiere conocimientos artísticos. A los tres años de estar en Australia, Whitaker se dedica de tiempo completo a la fotografía, debido a la influencia de Georges Mora, restaurador de arte y su esposa.


La familia Mora, lo contacta con los grandes del arte australiano y las letras. Whitaker fotografía a muchas de estas personas, incluyendo Georges y Mirka Mora y sus tres hijos.


Whitaker tenía su estudio en el altillo de su casa en Melbourne, cuando conoce al manager de los Beatles, Brian Epstein en Junio de 1964,  el contacto se produce cuando Whitaker hace unos retratos para una publicación, Brian, quedó tan impresionado con esos retratos y la publicación que lo contrata como fotógrafo oficial de los Beatles. Todo fue por accidente cuando su amigo periodista le pide que lo acompañe porque tenía que hacer un artículo de noticias en un Magazine de  Melbbourne. 

Foto R.Whitaker, 1964






Las primeras fotos que toma de los Beatles,  fueron fotos de Paul McCartney y George Harrison sosteniendo cada uno un boomerang que era lo representativo de los australianos.











Con los Beatles y especialmente con John Lennon, se hicieron buenos amigos. Whitaker crea su primera obra famosa y duradera, y fue la triunfal gira de los Beatles por Estados Unidos, incluyendo su recital en el estadio Shea, en el barrio Queens en Nueva York. 

Estadio Shea, New York. Foto R. Whitaker , 15 de Agosto 1965


Foto R.Whitaker, Hotel Hilton, Japón 1966

Whitaker pasa los  siguientes dos años viajando con los Beatles y tomando fotografías en los trabajos, en reposo y en sus juegos, en casa, en el estudio de grabación, durante momentos privados, y en sesiones formales de fotos. Las fotografías de este período incluyen los retratos que fueron utilizados para algunos LP como Revolver, y una serie de retratos de grupo tomadas mientras el grupo estaba haciendo películas de promoción para sus discos sencillos.



Whitaker también acompaña a los Beatles a la gira por Japón el año 1966. En Tokio el promotor le regala una cámara Nikon con un lente gran angular de 21 mm. Cámara con la que tomó numerosas fotografías de los Beatles relajados en su habitación del Hotel Hilton de Tokio.

Foto R. Whitaker

Una de las obras más famosas y controversiales de Whitaker es una fotografía que creó el y los Beatles que se llamó  “Carnicero” el año 1966, que se hiso como cubierta para el Lp “The Beatles Yesterday and Today”, y fue lanzado brevemente en los EE.UU. en 1966, pero se retiró del mercado muy rápido. Los Beatles vestían cotonas de blanco, y estaban cubiertos con piezas de muñecas desmembradas, trozos de carne, y dientes postizos.

Preguntas y respuestas de Robert Whitaker, en una entrevista después de estas polémicas fotos…


¿Cómo fue esa foto, con los Beatles entre los trozos de carne y muñecas decapitadas, ocurrido? ¿Fue idea suya o de los Beatles?

"Fue mía". Absolutamente. Eran parte de tres imágenes que deberían haber ido en un icono. Y fui un bruto... Ese cuadro tendría que haber sido todo el oro... Las cabezas habrían ido con halos de plata como una joya.

25 de Marzo 1966




¿Cómo se preparó para el rodaje?

-"Fue un trabajo duro. Yo tenía que ir a la carnicería local y obtener carne de cerdo. Tuve que ir a una fábrica de muñecas y encontrar las muñecas apropiadas. Tuve que ir a una fábrica de ojos y encontrar los ojos. Los dientes postizos. Hay mucho en esas fotografías"…












25 de Marzo 1966

¿Por qué la carne y muñecas?

-Ha habido una gran cantidad de conjeturas en los últimos años acerca del significado de esas fotos. La teoría más popular, dice que se trataba de una protesta de los Beatles en contra de Capitol Records, por la supuesta " carnicería " en sus registros en los Estados Unidos.

-"Basura, una tontería absoluta. Si la trilogía o tríptico de las tres fotografías nunca  habrían tenido sentido." 

Foto R.Whitaker, 1966









Hay otro conjunto de fotografías en el libro de los Beatles, con una chica que está de espaldas hacia  usted, entregandoles y colgando las salchichas. 

-Esas salchichas estaban destinadas a ser un cordón umbilical.













¿Esto empieza a abrir algunos capítulos?

"¿Estabas consciente cuando pensaste que Capitol Records iba a utilizarlo como una portada de un disco?"
"No."

Citado en 1966 en la revista musical británica Disco y Música, Whitaker dijo:

"Yo quería hacer un verdadero experimento, y  la gente saltó con conclusiones erróneas, como una enfermedad, pero todo estaba basado en la simplicidad... el uso de la cámara fue como un medio para crear situaciones.


Foto R. Whitaker, 25 de Marzo 1966







Whitaker fue posteriormente citado y dijo que la motivación básica fue el hecho de que él y los Beatles estaban aburridos de hacer lo que los publicistas quisieran.

En una entrevista a John Lennon antes de su muerte en 1980, John lo confirmó.
















Traducción de la fotografía.
No hubo controversia en Gran Bretaña sobre las fotos, pero cuando fueron enviadas a América para ser usadas en Capitol Records, los distribuidores se negaron a usarlas en el disco. Los minoristas denunciaron que era la cobertura de un "enfermo". Lennon y McCartney defendieron la portada, mientras que el vegetariano Harrison pensó que la idea era grosera y estúpida. Aún preocupado por la reacción comercial después de John Lennon hiciera su comentario  que era "más grande que Jesús", Capitol retiró la portada y se disculpó. Las raras portadas originales se convirtieron en uno de los recuerdos más codiciados de los Beatles.






Escrito por: Alejandro Glade R.