lunes, 3 de abril de 2017

Fotografía HDR; como hacerlas y por qué!


Con respecto a lo que se refiere a fotografía réflex digital, les daré una reseña de la fotografía HDR y por qué.

Por alguna razón, este tema se ha convertido en un tema, en algunos fotógrafos. Algunos confían en él, y otros lo odian!

La definición de la fotografía HDR es el sinónimo de Alto Rango Dinámico,(HDR) es un área en la que se puede ser muy detallista, además que técnicamente está lleno de fórmulas.

Sobre este tema al igual que para la mayoría de los temas sobre la fotografía misma, la luz será lo más importante, y les daré algunos conceptos básicos.

Para conseguir grandes fotos del atardecer por ejemplo, me referiré a varias cosas. Si exponemos o disparamos hacia el cielo, la tierra nos saldrá por lo general poco expuesta lo que hará que salga oscura o negra. Si se dispara exponiendo hacia la tierra, el cielo perderá su belleza y color.

Esto es debido a la gama dinámica de la película o del sensor digital. Esto se conoce generalmente como rango dinámico estándar o (SDR). Cuando los detalles de la escena exceden el rango dinámico estándar, estos detalles se pierden.

En un disparo hacia una puesta de sol, anteponiendo una silueta de una persona. En SDR se pierde todo el detalle de la persona, entregándonos una persona en un color negro mate.


Algunos de los detalles se pueden recuperar mediante el uso de graduados o filtros de densidad neutra. Con ellos podemos contener algo de la luz del cielo, permitiendo que la exposición sea más amigable con el suelo. Pero existe otra manera.


¿Qué pasa si tomamos múltiples disparos? Podríamos tomar una foto del cielo con una exposición perfecta, y otra de la tierra con sus ajustes perfectos, y luego con Photoshop o algún otro programa, podríamos mezclarlos y combinarlos!

Y  como resultado tendíamos un cielo perfectamente expuesto y un suelo perfectamente expuesto!

Esta solución sería con un disparo simple, con dos exposiciones. Normalmente, habría que hacer por lo menos tres disparos. Pero con dos sería, uno con los ajustes del cielo, con una exposición “normal”, y una con exposición ideal del suelo.

He visto en Internet algunas de estas fotos HDR, tomadas con más de seis exposiciones  en bracket! u Horquillado, que significa que usted está disparando exposiciones que van por encima y por debajo de la exposición “correcta”. Eso es estar trabajando en “Horquillado”.

Suponiendo que usted ha hecho una serie de 7 exposiciones, desde la manera más expuesta  hasta la última que sería la menos expuesta. Cuando se combinen, obtendremos una gama dinámica que es más alta que lo que el monitor del computador nos es capaz de mostrar.

Tenemos que decir que, HDR tiene que ver con los bits, la luminosidad y así sucesivamente... pero tengo que agregar que para estas soluciones  hay varios programas que están diseñados para trabajar en esta magia. (Antiguamente esta magia se trabajaba analógicamente en un laboratorio)

El debate que se produce sobre HDR, es que si es o no es una imagen  “pura” creada en la cámara. (No debemos de olvidar que nuestro antiguo laboratorio ahora es un computador) Para trabajar en HDR debemos tener algún tipo de programa en un computador, para trabajar y poder combinar las imágenes. Los enemigos de la solución HDR son los mismos que utilizan filtros de adición para oponerse a  los retoques, etc.

Mi apreciación, y muy personal por lo demás,  es que la imagen es la que cuenta. Si nos gusta lo que vemos, no importa cómo se llegó a ellas, la técnica no es lo que cuenta, lo que cuenta al final es el resultado, “la imagen”.


Por qué hacer  fotografía HDR, cómo hacerlo y por qué, es muy simple,  el resultado final puede

visualizar con mayor precisión lo que sus ojos vieron y se sorprenderá porque los resultados que se obtienen son bastante impresionantes.

Requiere de paciencia… una gran cantidad de fotógrafos han tirado todo por la borda con esta técnica por haber tenido resultados muy malos. Creo que esto es lo que alimenta  a los anti  HDR, que no son pocos.


La fotografía HDR, cómo hacerla y por qué... es lo que debe hacer el fotógrafo, debe de experimentarlo para ver si le gusta la técnica o no!  Como sabe si no descubre alguna variante que al final le resulte como una técnica propia! Pruebe programas para experimentar con el HDR.




Escrito por: Alejandro Glade R.





La caída y la falta de inspiración en la fotografía


Un simple muro antiguo,
con los años va a dejar de existir!
¿Cuántas veces se ha preguntado por qué después de un período en que fue productiva su labor en la fotografía, de repente paró y ya no dispara mucho?  Mira y observa por la ventana y ve  que las condiciones son perfectas para la foto, sin embargo, decide quedarse en la casa a ordenar  y reorganizar su cajón de los calcetines por ejemplo.

Usted ha dado en el clavo, y lo peor de todo es que usted está consciente de ello, y no se siente cómodo con este detalle y lo que es peor, lo hacen quedar en la duda y no sabe cómo salir de la cuestión.

La inspiración es algo ilusorio pero no deja de ser importante, y aparecen en tiempos y lugares que uno nunca imaginó, estos pueden ser un recuerdo de algo, ideas e inspiraciones que pueden salir después de alguna  lectura, o por el título de alguna película.


Tinajas y  pipas...

Y luego, cuando ya está inspirado, vienen preguntas como si el nuevo proyecto es el correcto, si será ese el estilo, o si vamos simplemente en la dirección correcta con la idea de su trabajo.

 El asunto es que la fotografía es en gran medida un viaje donde podemos fallar, o tener éxito, fallas que pueden ocasionarse por pequeños detalles como no poner la ISO correcta, o después de revisar la foto nos damos cuenta que la foto fue un éxito. Trabajo que nos permite volver a evaluar lo que estamos haciendo y hacia dónde nos dirigimos con nuestro trabajo. Toda inspiración tiene sus ajustes a medida que va cambiando nuestra percepción.

Estoy seguro de que si le preguntamos a algún fotógrafo amigo, más de alguno le dirá que ha terminado deprimido con alguna de sus salidas, y ha tratado de resolver más encima el problema dedicándole muchas horas al Lightroom para al final desechar todo, y cuestionarse de su capacidad como fotógrafo.


Pero cuando nos criticamos nosotros mismos, y lo que es peor, nos comparamos con otros, para darnos cuenta de que el trabajo de alguien tuvo una gran cantidad de fallas antes de ser compartida con el resto del mundo.

Es normal, yo entro y salgo de estas crisis, pero por muy poco. Entro en períodos en el que olvido detalles  que me dejan lleno de dudas y me pregunto si lo que he hecho tiene algún contenido.

Construcción en medio del bosque


Lo importante es aliviar los temores con el hecho de sólo pensar en salir a buscar,  el tema puede que no lo tengamos muy claro pero no importa en esto de la fotografía hay que ser optimista, y siempre creer que lograremos conseguir lo que estamos pensando. Es como cuando uno no tiene dinero, pero sabe que llegará pronto el día del pago, y esos temores se alivian y se vuelve a estar bien.



La fotografía no es como un examen de matemáticas donde se espera que desarrolle los pasos del problema, y el éxito puede ser desfavorable cuando le falta algo, en la fotografía el resultado final que se obtenga es el que será discutido y criticado.


Debemos entender cómo funciona todo esto, disparemos y disparemos, en color, en blanco y negro, con grano o sin grano, compartamos y aceptemos crítica, al final los trabajos irán saliendo coherentes con los temas.


Pileta de patio




Tenemos que hacernos la idea de que la fotografía es lo que queremos que sea y no existen definiciones de otras personas. Un gran fotógrafo dijo una vez cuando se le preguntó por su fotografía, “No hay ninguna historia, es sólo una cuestión de formas y la luz.” Es una afirmación totalmente real y verdadera, porque él es el que más sabe de su propio trabajo, mas que cualquier otra persona.

El deprimirse, por estas cosas que suceden, pueden ser tiempos de reflexión que sirven para vaciar la mente de formas a lo mejor herradas de pensar, y volver con un nuevo pensamiento creativo para que tome su lugar. No voy a mentir, las caídas no son buenas para nadie, pero cuando nos damos cuenta que estamos insertos en ellas debemos pensar en doblarles la mano con algún otro pensamiento nuevo, que por lo general nos hará dar vuelta la hoja.








Escrito por: Alejandro Glade R.










sábado, 11 de marzo de 2017

Ejercicios creativos para lograr ser mejor fotógrafo.


Uno siempre piensa que necesita una gran cantidad de equipo de fotografía para ser más creativo. Puede ser cierto, por ejemplo la macro fotografía, es mucho más fácil con un objetivo macro, la creatividad funciona mejor dentro de algunas restricciones.

La pregunta es: ¿cómo convertirse en un fotógrafo más creativo sin necesidad de comprar más equipo? Algo que me ha resultado se los traspaso a ustedes, a lo mejor puede darles nuevas habilidades para dominar.


Primero, encontrar un tema nuevo
A todos los que nos gusta la fotografía, tenemos un tema favorito y otros fotografían de vez en cuando.  Para mí, los temas están en todo, puede salir un buen tema en el minuto menos pensado, pero si incluiría, naturalezas muertas, y fotografías de alimentos. El primer desafío es encontrar un nuevo sujeto, y que debe ser algo que usted no haya fotografiado antes. Incluso es mejor cuando necesita aprender nuevas técnicas.


Por ejemplo, si usted es un fotógrafo dedicado a la fotografía de paisajes y nunca ha tomado fotografías de noche. Puede ser, es un nuevo reto, el tomar algunas fotos del cielo nocturno. No se necesita ningún equipo adicional, sólo el deseo y su cámara para aprender una nueva habilidad.

Una vez que haya encontrado un nuevo tema, hágase la pregunta: "¿Cómo puedo llevar esto al siguiente nivel?"

Otro ejemplo sería, en un restaurante o cafetería, pedir comida, y tomar algunas fotos de ella. No hay mucho trabajo involucrado en una toma así, ya que la responsabilidad la tiene el chef para que el plato se vea bien.

Esta fotografía es mucho más difícil de hacer en la casa. La preparación de un plato partiendo desde cero, presentándolo adecuadamente para que se vea delicioso, es difícil pero no imposible. Es un tema con el que va a aprender mucho más sobre el proceso de la fotografía de alimentos.

Encontrar temas para hacer proyectos.
a foto. Una buena manera de identificar los temas, es buscar fotografías ejecutadas, y escoger sus favoritos que pueden ser entre diez y veinte fotos tomadas en los últimos doce meses. Examínelas analíticamente. Y vea ¿Qué temas se fotografiaban más? ¿Qué objetivos se utilizaron y cuales fueron con más frecuencia? Irán apareciendo respuestas automáticamente, verá que hay fotos en color, blanco y negro, y a lo mejor una mezcla de ambas?

Habrá temas que le ayudarán a decidir lo que desea fotografiar. Este es un ejercicio que no falla cuando estamos sin ideas, se irán acumulando diferentes temas después de que aparezcan las fotos que dominaron.  

No tengo pensado nada por el momento para este año, pero por ejemplo me puedo preparar para hacer fotografías de eventos culturales, en la calle o en recintos cerrados. La idea es construir un cuerpo de trabajo en torno a un tema interesante. El proyecto va a prosperar en la medida que lo persiga.




Nuevos tipos de luz.
Supongamos que a usted  le gusta hacer retratos de día con luz natural. ¿Le gustaría estar en algún lugar con su modelo al final del día y trabajar durante la hora de oro?

Pueden haber muchas variantes ¿con qué otros tipos de luz se puede disparar? Si normalmente usted dispara al aire libre, ¿qué pasa con una ubicación en un interior? Si le gusta trabajar en los días soleados, ¿por qué no podría ser un día nublado o lluvioso?

Tome fotos con estos tipos de luz, fotos en días de lluvia, fotos en días con niebla, fotos en los ocasos.
Se puede aplicar esto a cualquier género de la fotografía. Piense en el tipo de luz con el que usted prefiere trabajar, y cambie todo por probar algo diferente.

El lente correcto.
En el ejercicio anterior cuando escogimos las mejores imágenes  de los doce meses anteriores, se tomaron todas con algún lente,  vea cuales fueron los más usados y cambie. ¿Qué ocurre si se intenta algo diferente?

La idea aquí es que todo lente bien usado es el lente adecuado para el trabajo,  al menos que usemos un lente que no estamos acostumbrados a usar.

Imagínese, por ejemplo, que usted es un fotógrafo que un solo tipo de lente para hacer retratos . ¿Qué pasa si usted utiliza un lente gran angular en su lugar? ¿Cómo se puede hacer que funcione? El retrato se verá horrible si se acerca demasiado al modelo con un lente gran angular. Pero, ¿por qué  tomar la foto tan de cerca, no puede ser un enfoque más de ambiente?  Así  el modelo se convertiría en parte de la escena total  y el  lente gran angular en eso le va a ayudar en la captura. Este ejercicio le obligará a ver de manera diferente y encontrará formas creativas de utilizar aparatos desconocidos.





Conclusión
Estos ejercicios creativos le ayudarán a ser un mejor fotógrafo. Siéntase libre de adaptar y combinar, todo lo mencionado en este artículo. Por ejemplo, ¿qué ocurre si dispara un nuevo tema con un lente diferente más un filtro en un nuevo tipo de luz? Usted no sabrá hasta que lo intente, y se divertirá descubriéndolo.





Escrito por: Alejandro Glade R.







martes, 28 de febrero de 2017

JPEG vs RAW

Existe una controversia sobre si es preferible  usar y trabajar con formato JPEG (también puede ser JPG) o en formato RAW. Usted probablemente esté  familiarizado con el formato JPEG, pero todavía puede ser un poco confuso sobre lo que es el formato RAW. En esta ocasión les hablaré de por qué podría ser útil para usted, este artículo que espero le explique y le quede claro cómo funcionan estos formatos. Explicación que le ayudará a decidir cuál es el adecuado para usted.


JPEG  vs  RAW

JPEG es el formato de archivo más reconocido para las fotografías, así de simple. Es lo que se utiliza comúnmente para para cargar en la WEB o lo que se usa para imprimir imágenes, este formato JPEG o JPG es la forma más probable si va a enviar fotos por Internet.

Sin embargo, la definición de JPEG presenta algunas preguntas acerca del archivo de imagen que genera. El formato JPEG es descrito como el formato de compresión de imagen más común usado por las cámaras digitales por decirlo de una manera simple, pero técnicamente es un método de compresión de imagen, que tiene perdidas en las imágenes fotográficas. Esto hace que se cree un debate con respecto a esta idea de "compresión"  ¿Se debe utilizar este formato para tomar fotografías y almacenarlas en su computador?

La "compresión con pérdida" es lo que ocurre en la cámara, cuando se toma una fotografía en formato JPEG. La cámara está programada para comprimir los píxeles a un tamaño de archivo más pequeño, descartando algunos de esos píxeles, que comúnmente son esenciales para su definición. Dependiendo de la configuración que seleccionemos para la grabación de imágenes de nuestra cámara, habrá más o menos compresión. Por ejemplo, si se elige el tamaño de archivo más grande que tolere la cámara, para el disparo, la cámara hará que se descarte menos información que si se elige un ajuste más pequeño.

Supongamos que usted quiere tomar la mayor cantidad de imágenes como sea posible en su tarjeta de almacenamiento. El ajuste más lógico será el tamaño de imagen más pequeño disponible, y vamos a suponer que es 640 x 480, cuando la cámara es capaz de tomar una foto de tamaño completo en 3648 x 2736 (esto es posible con una cámara de 10 megapíxeles). Lo que la cámara hace es desechar todos los píxeles extra, y lo que se ve en la pantalla será lo  mismo que si se toma una imagen a tamaño completo, pero cuando usted intente ampliar esa fotografía para su posterior impresión, a 5 x 7, la calidad será inaceptable. Verá partes con manchas en la imagen, que amorosa y técnicamente llamamos como "imagen pixelada".


Además, cuando usted trabaja la imagen en su computador con algún tipo de software de procesamiento de imágenes como Photoshop, la imagen se comprime aún más cada vez que se guarda la imagen.

Al configurar la cámara para tomar fotografías en formato RAW, en el menú sobre la calidad de la foto, usted le está diciendo a la cámara que no procese la foto de ninguna manera, así conservaremos todos los píxeles de los que está compuesta la imagen. Así de simple.

El archivo resultante es bastante más grande que el archivo JPEG, es decir, la imagen de la más grande posible.

Lo que continúa por hacer con la fotografía tomada, antes de imprimirla o publicarla en la WEB, es procesar la foto en su computador, es algo así como cuando trabajábamos procesando con negativos una vieja película. (es para hacerse una idea de cómo funciona esto). Con el fin de ver a conseguir una impresión de un negativo, el negativo debe ser procesado. Lo mismo es con los archivos RAW, necesitaremos un software para procesar y convertir la fotografía en un archivo en un archivo utilizable para su impresión o su carga en la WEB.

Una diferencia importante cuando se trabaja en formato RAW, es que no se puede utilizar cualquiera de los modos creativos que trae su cámara digital. Sí, puede utilizar los ajustes manuales de apertura y velocidad de obturación.

En pocas palabras, la toma de fotografías en formato RAW le da un conjunto completo de píxeles para trabajar, pero hay que trabajar en el procesamiento.

Algunos fotógrafos son fuertes defensores del formato RAW, mientras que otros son fanáticos de JPEG.

En primer lugar, no todas las cámaras son capaces de tomar fotos en formato RAW. Normalmente las cámaras digitales compactas de apuntar y disparar, no tiene la opción del formato RAW.

 Los que apoyan la fotografía en formato RAW, es porque quieren utilizar todos los recursos disponibles para conseguir el mejor resultado en sus imágenes. Ese fotógrafo pretende tener el control total de sus imágenes usando el formato RAW.

Otros, y nos referimos a los profesionales, se han resistido al cambio y continúan utilizando el formato JPEG, porque son fotógrafos confiados en sus habilidades, que siempre obtienen buenos resultados con JPEG. Consideran que trabajar en formato RAW simplemente les aumenta su  trabajo. Dicen:  ¿Por qué vamos a querer pasar más tiempo en la computadora para conseguir lo que ya capturó la cámara?


Otra razón que esgrimen para no usar el formato RAW, es el tamaño del archivo, como se mencionó anteriormente, es más del doble en tamaños que el de las fotos tomadas con formato  JPEG. Es sistema RAW llena la tarjeta de almacenamiento muy rápidamente en comparación. Y también ocupa mucho más espacio en el disco duro.

Una buena razón para quedarse usando el formato JPEG, es que los formatos RAW son propiedad de cada una de las cámaras, esto significa que no hay una forma estándar para producir estos archivos. Por ejemplo: si estamos usando una cámara digital Canon, los archivos que produce, son diferentes a los que produce una Nikon, la extensión RAW de cada una de ellas es diferente. Canon usa CR2 en su extensión y Nikon usa la extensión NEF.

Muchos afirman que en el futuro, y a medida que avanza el tiempo, los archivos RAW más antiguos desaparecerán, porque necesitaremos el antiguo software también, para poderlos abrir. Es un problema que merece estudios ya que muchos de estos softwares antiguos ya no trabajarán en los computadores más modernos, como ocurre con muchos programas  en los que el sistema operativo no los reconoce.


Escrito por: Alejandro Glade R.




lunes, 16 de enero de 2017

Robert Whitaker, el fotógrafo que se hiso famoso por casualidad.



Robert Whitaker
Robert Whitaker, nace el 13 de Noviembre de 1939 y muere de cáncer el 20 de Septiembre de 2011, su trabajo se extendió a través del arte, la música, la moda y reportajes de las guerras de Vietnam y Oriente Medio, este fotógrafo británico, se dio a conocer internacionalmente, por todas las fotografías que tomó a los Beatles, entre 1964 y 1966.

Whitaker nació en Harpenden , Hertfordshire, Inglaterra, pero él decía que era más australiano que Inglés, ya que su padre y su abuelo eran Australianos.

Su carrera fotográfica comienza en Londres el año 1050, y se traslada a Melbourne en 1961, estudia en la Universidad de Melbourne, y adquiere conocimientos artísticos. A los tres años de estar en Australia, Whitaker se dedica de tiempo completo a la fotografía, debido a la influencia de Georges Mora, restaurador de arte y su esposa.


La familia Mora, lo contacta con los grandes del arte australiano y las letras. Whitaker fotografía a muchas de estas personas, incluyendo Georges y Mirka Mora y sus tres hijos.


Whitaker tenía su estudio en el altillo de su casa en Melbourne, cuando conoce al manager de los Beatles, Brian Epstein en Junio de 1964,  el contacto se produce cuando Whitaker hace unos retratos para una publicación, Brian, quedó tan impresionado con esos retratos y la publicación que lo contrata como fotógrafo oficial de los Beatles. Todo fue por accidente cuando su amigo periodista le pide que lo acompañe porque tenía que hacer un artículo de noticias en un Magazine de  Melbbourne. 

Foto R.Whitaker, 1964






Las primeras fotos que toma de los Beatles,  fueron fotos de Paul McCartney y George Harrison sosteniendo cada uno un boomerang que era lo representativo de los australianos.











Con los Beatles y especialmente con John Lennon, se hicieron buenos amigos. Whitaker crea su primera obra famosa y duradera, y fue la triunfal gira de los Beatles por Estados Unidos, incluyendo su recital en el estadio Shea, en el barrio Queens en Nueva York. 

Estadio Shea, New York. Foto R. Whitaker , 15 de Agosto 1965


Foto R.Whitaker, Hotel Hilton, Japón 1966

Whitaker pasa los  siguientes dos años viajando con los Beatles y tomando fotografías en los trabajos, en reposo y en sus juegos, en casa, en el estudio de grabación, durante momentos privados, y en sesiones formales de fotos. Las fotografías de este período incluyen los retratos que fueron utilizados para algunos LP como Revolver, y una serie de retratos de grupo tomadas mientras el grupo estaba haciendo películas de promoción para sus discos sencillos.



Whitaker también acompaña a los Beatles a la gira por Japón el año 1966. En Tokio el promotor le regala una cámara Nikon con un lente gran angular de 21 mm. Cámara con la que tomó numerosas fotografías de los Beatles relajados en su habitación del Hotel Hilton de Tokio.

Foto R. Whitaker

Una de las obras más famosas y controversiales de Whitaker es una fotografía que creó el y los Beatles que se llamó  “Carnicero” el año 1966, que se hiso como cubierta para el Lp “The Beatles Yesterday and Today”, y fue lanzado brevemente en los EE.UU. en 1966, pero se retiró del mercado muy rápido. Los Beatles vestían cotonas de blanco, y estaban cubiertos con piezas de muñecas desmembradas, trozos de carne, y dientes postizos.

Preguntas y respuestas de Robert Whitaker, en una entrevista después de estas polémicas fotos…


¿Cómo fue esa foto, con los Beatles entre los trozos de carne y muñecas decapitadas, ocurrido? ¿Fue idea suya o de los Beatles?

"Fue mía". Absolutamente. Eran parte de tres imágenes que deberían haber ido en un icono. Y fui un bruto... Ese cuadro tendría que haber sido todo el oro... Las cabezas habrían ido con halos de plata como una joya.

25 de Marzo 1966




¿Cómo se preparó para el rodaje?

-"Fue un trabajo duro. Yo tenía que ir a la carnicería local y obtener carne de cerdo. Tuve que ir a una fábrica de muñecas y encontrar las muñecas apropiadas. Tuve que ir a una fábrica de ojos y encontrar los ojos. Los dientes postizos. Hay mucho en esas fotografías"…












25 de Marzo 1966

¿Por qué la carne y muñecas?

-Ha habido una gran cantidad de conjeturas en los últimos años acerca del significado de esas fotos. La teoría más popular, dice que se trataba de una protesta de los Beatles en contra de Capitol Records, por la supuesta " carnicería " en sus registros en los Estados Unidos.

-"Basura, una tontería absoluta. Si la trilogía o tríptico de las tres fotografías nunca  habrían tenido sentido." 

Foto R.Whitaker, 1966









Hay otro conjunto de fotografías en el libro de los Beatles, con una chica que está de espaldas hacia  usted, entregandoles y colgando las salchichas. 

-Esas salchichas estaban destinadas a ser un cordón umbilical.













¿Esto empieza a abrir algunos capítulos?

"¿Estabas consciente cuando pensaste que Capitol Records iba a utilizarlo como una portada de un disco?"
"No."

Citado en 1966 en la revista musical británica Disco y Música, Whitaker dijo:

"Yo quería hacer un verdadero experimento, y  la gente saltó con conclusiones erróneas, como una enfermedad, pero todo estaba basado en la simplicidad... el uso de la cámara fue como un medio para crear situaciones.


Foto R. Whitaker, 25 de Marzo 1966







Whitaker fue posteriormente citado y dijo que la motivación básica fue el hecho de que él y los Beatles estaban aburridos de hacer lo que los publicistas quisieran.

En una entrevista a John Lennon antes de su muerte en 1980, John lo confirmó.
















Traducción de la fotografía.
No hubo controversia en Gran Bretaña sobre las fotos, pero cuando fueron enviadas a América para ser usadas en Capitol Records, los distribuidores se negaron a usarlas en el disco. Los minoristas denunciaron que era la cobertura de un "enfermo". Lennon y McCartney defendieron la portada, mientras que el vegetariano Harrison pensó que la idea era grosera y estúpida. Aún preocupado por la reacción comercial después de John Lennon hiciera su comentario  que era "más grande que Jesús", Capitol retiró la portada y se disculpó. Las raras portadas originales se convirtieron en uno de los recuerdos más codiciados de los Beatles.






Escrito por: Alejandro Glade R.










sábado, 17 de diciembre de 2016

Filtro UV / SOLO como filtro de protección






Los  filtros UV quedaron fuera de uso, desde que salieron las cámaras digitales,  a menos que esté utilizando una cámara de cine, son completamente inútiles para la tarea de bloquear los rayos UV. Eso ya fue creado como filtros del sensor, actualmente los sensores contienen un filtro de bloqueo para los rayos UV. Hoy en día, los filtros UV sólo se utilizan como filtros "de protección", con el fin de proteger sus lentes contra daños y golpes.

Entonces vamos más adelante… ¿Son necesarios los filtros de protección? Depende. Para los fotógrafos que cuidan excesivamente  su equipo y que rara vez trabajan fotografiando en condiciones difíciles, probablemente no son necesarios los filtros de protección. Sin embargo, yo personalmente tengo puestos estos filtros protectores en todos mis lentes. ¿Por qué? Porque uso el equipo en todo tipo de condiciones, y no sabe que puede ser perjudicial para los engranajes. Si usted nunca ha disparado en ambientes arenosos, es probable que no haya experimentado la arena rayando el elemento frontal del lente cuando se intenta limpiar. Ya lo aprendí desde hace muchos años, en mis años de estudiante de fotografía, la arena puede liquidar cualquier tipo de vidrio. Así que si usted tiene un filtro UV, úselo de protección, uno nunca sabe cuando será el minuto en que el lente se está protegiendo de los embates de esos ambientes, además porque un filtro UV por caro que sea, será mucho más barato de reemplazar, en comparación con un lente de buen nivel.




Y muchos no sólo lo usan por razones de protección,- muchos lentes tienen elementos frontales, complicados,  que pueden ser muy difíciles de limpiar. En algunos casos, el elemento frontal de un Lente está profundamente rebajado y embutido dentro del barril, haciéndolos muy difícil de limpiar! La colocación de un filtro en un lente de este tipo, nos  puede ahorrar mucho tiempo y dinero. Así que para mí, personalmente, me da seguridad y es conveniente.






Ahora algunos fotógrafos argumentan que elementos adicionales delante del lente, dañan las imágenes, pero no es así. Un lente con un elemento delantero rayado puede no perder su poder de resolución, pero nunca será mejor una fotografía que se ha tomado con un lente rayado. De hecho muy pocas personas compran lentes que tengan defectos o tengan rayado su elemento frontal.



Otros dirán que los filtros de protección reducen la calidad de la imagen, por lo que se rehúsan a usarlos. Una vez más, depende! Si ocupamos, filtros baratos y de mala calidad, entonces esta postura es totalmente cierta!  Pero, si se usan filtros de alta calidad, hay cero degradaciones de la calidad de la imagen. Está demostrado, por los estudios que han hecho algunos entendidos en óptica. Otros estudios interesantes han abordado específicamente el efecto de los filtros en los lentes, en lo que respecta al poder de resolución de los lentes. Como se puede ver en ambos casos, si se utilizan filtros para el lente de alta calidad, no hay nada de qué preocuparse!

Ahora bien, esto no significa que siempre los filtros protectores se estén usando. En algunas situaciones, cuando se incluyen fuentes de luz brillante como la del sol, normalmente se quitan todos los filtros, ya que potencialmente pueden añadir más destellos y sombras en las imágenes.

Espero que el artículo les haya gustado, son pequeños detalles que pueden pasar a ser importantes en algunos casos.

En este blog hay otros artículos  que abordan temas sobre filtros, revíselos léalos y a lo mejor encontrará la respuesta que anda buscando.







Escrito por: Alejandro Glade R.










viernes, 16 de diciembre de 2016

Los tres ajustes más importantes de la cámara


Este artículo tiene como objetivo ayudar a los principiantes a entender la correlación de tres factores importantes de la fotografía digital. Los ajustes de apertura, velocidad de obturación y la ISO son los tres valores más importantes de la cámara cuando se trata de la exposición:



1. Apertura es el tamaño de la abertura de la lente a través del cual la luz entra a la exposición de la toma. En pocas palabras, la apertura es un agujero en una lente, a través del cual la luz viaja en el cuerpo de la cámara. Es más fácil de entender el concepto si sólo pensamos acerca de nuestros ojos. Cada cámara que conocemos hoy en día está diseñada como ojos de humanos. La córnea de los ojos es como el elemento frontal de un objetivo, que recoge toda la luz externa, a continuación, lo dobla y lo pasa al iris. Dependiendo de la cantidad de luz, el iris puede ampliar o reducir, controlar el tamaño de la pupila, que es un agujero que deja pasar la luz en el ojo. La pupila es esencialmente a lo que nos referimos como la abertura en la fotografía. La cantidad de luz que entra en la retina (que funciona igual que el sensor de la cámara), se limita al tamaño de la pupila, mientras más grande sea, más luz entra en la retina.

Por lo tanto, la forma más fácil de regular la abertura, es asociándolo con su pupila, tamaño de pupila grande es igual a gran apertura,  tamaño de la pupila pequeña es igual a pequeña abertura.


2. La velocidad del obturador es la cantidad de tiempo que se permite la entrada de luz a través del objetivo para una exposición. También es conocida como "tiempo de exposición", significa el período de tiempo que el obturador de la cámara está abierto para exponer la luz en el sensor de la cámara. Si la velocidad de obturación es rápida, puede ayudar a congelar la acción por completo. Si la velocidad de obturación es lenta, se puede crear un efecto llamado "desenfoque de movimiento", donde los objetos en movimiento aparecen borrosos y a lo largo de la dirección del movimiento. Este efecto se utiliza en los anuncios de autos y motos, dando una sensación de velocidad, y el movimiento se transfiere al espectador difuminando deliberadamente las ruedas en movimiento.

Las velocidades de obturación lentas también se utilizan para fotografiar relámpagos u otros objetos en la noche, y en entornos poco iluminados, el ideal es hacer estos procesos con un trípode. Los fotógrafos de paisajes utilizan intencionadamente la velocidad de obturación lenta para crear una sensación de movimiento en los ríos y cascadas, manteniendo todo lo demás en el foco.



3. ISO es la cantidad de sensibilidad hacia la luz que entra en el objetivo. Cuanto mayor sea el valor ISO de la cámara, mayor será la sensibilidad. Cuanto menor sea el valor ISO de la cámara, menor será la sensibilidad. El exceso de sensibilidad ISO hace que la fotografía salga granulada. ISO menor puede causar que la foto sea muy oscura o con colores difuminados. (ISO significa "Organización Internacional de Normalización", que es una organización que estandarizó un sistema para medir la sensibilidad de los rollos de película. Esto ha sido adaptado por las cámaras digitales sin muchos cambios.)  En términos muy básicos, ISO es el nivel de sensibilidad de la cámara a la luz disponible. 



El componente dentro de la cámara que puede cambiar la sensibilidad se llama "sensor de imagen" o simplemente "sensor". Es la parte más importante (y la más cara en una cámara digital) es responsable de la captación de la luz y de transformarla en una imagen. Con el aumento de la sensibilidad, el sensor de la cámara puede capturar imágenes en ambientes de poca luz sin tener que utilizar un flash. Sin embargo, una sensibilidad más alta se produce en un gasto - se añade grano o "ruido" de las imágenes.

El fotógrafo necesita encontrar un equilibrio entre estos tres factores con el fin de conseguir un disparo perfecto que tenga brillo y colores. La cantidad y la intensidad de luz junto a la cantidad de tiempo, permite que la luz nos entregue una gran fotografía.






Escrito por: Alejandro Glade R.