LOS MITOS DE LA FOTOGRAFÍA HDR

 Por: Alejandro Glade R.

HDR significa alto rango dinámico, es un tema que recibe mucha atención, tanto positiva como negativa, dentro de la comunidad fotográfica. Debido a que el tema puede ser tan polarizante, parece que hay muchos mitos o malentendidos en torno a la fotografía HDR. En este artículo, les indicaré que mitos comunes hay con el tema y por qué no son ciertos.

 a)  TOMAMOS MALAS FOTOS Y HACERLAS BUENAS CON EL HDR

Si he visitado por mucho tiempo sitios como Flickr, y otras comunidades que comparten fotos, y si Ud. también lo ha hecho, probablemente haya notado que algunas fotos HDR realmente le llaman la atención. A veces hay una tendencia a pensar que, si se puede usar HDR para obtener una imagen más intensa, podemos convertir fotos promedio, o incluso por debajo del promedio, podríamos convertirlas en algo especial como las que llaman la atención. La verdad es que HDR no es una cura para las malas fotos. Para obtener buenos resultados, debemos concentrarnos en capturar la mejor imagen posible. HDR es una opción disponible, pero no es una manera fácil de mejorar la calidad de cualquier foto.

            b) HDR ES UNA ALTERNATIVA PARA MEJORAR MALAS EXPOSICIÓNES

Al procesar imágenes HDR, normalmente trabajará con 3, 5, 7 o incluso más exposiciones de la misma escena. A veces, la idea es que, dado que está poniendo entre paréntesis algunas de las exposiciones, realmente no necesita preocuparse por obtener la exposición correcta. Si bien es cierto que el horquillado puede ayudar a reducir el riesgo de perder la exposición adecuada, para obtener los mejores resultados con HDR necesitará tener una toma que esté correctamente expuesta, o muy cerca de ella, y otras exposiciones horquilladas que se extiendan. desde allí. Si está trabajando con tres exposiciones entre paréntesis y la primera está desactivada, las demás también lo estarán.

   c) LAS FOTOS INTERVENIDAS CON HDR NO PARECEN REALISTAS

Es cierto que algunas fotos HDR tienen un aspecto extremo y poco realista, pero este no es el caso en todas las situaciones. Hay muchas imágenes HDR geniales que obviamente no son HDR, y tienden a tener un aspecto más realista. En algunos casos, el procesamiento HDR se usa para crear intencionalmente una imagen extrema, sucia o poco realista, pero esto no significa que los resultados realistas y menos extremos no sean posibles con HDR. De hecho, Photomatix Pro, que es probablemente el software HDR dedicado más popular, realizó mejoras en la última versión para mejorar las posibilidades de obtener resultados realistas.

              d) NECESITARÉ UN SOFTWARE ADECUADO PARA REALIZAR EL HDR.

Cuando se trata de procesar imágenes HDR, hay una serie de opciones de software que se han creado específicamente para este propósito. Algunas de las principales opciones incluyen Photomatix Pro, Nik HDR Efex Pro, HDR Merge en Luminar Neo y HDR Darkroom. Si ha dudado en probar HDR porque no quiere comprar más software, se sorprenderá al saber que hay otras opciones. Si ya usa Photoshop (CS5 y posterior), tendrá acceso a HDR Pro, que le permite fusionar múltiples exposiciones en Photoshop. También puede hacer una combinación de exposición manual usando múltiples exposiciones en capas separadas y usando máscaras en lugar de usar software automatizado.

     e) NECESITA MÚLTIPLES EXPOSICIONES PARA CADA IMAGEN

Si no tomó varias exposiciones entre corchetes de una foto en particular, puede asumir que HDR no es una posibilidad, pero en realidad tiene algunas opciones. Si está trabajando con un archivo RAW, puede usar Lightroom o Camera Raw para crear exposiciones entre corchetes aumentando y disminuyendo la exposición de su foto y guardándolas por separado del mismo original. Luego puede fusionar sus exposiciones para crear una imagen HDR. En algunos casos, esto no producirá resultados tan buenos como si hubiera agrupado las exposiciones en la cámara, pero es posible que descubra que es una opción adecuada para algunas imágenes.

Otra opción es usar Lightroom o Camera Raw para aumentar el rango dinámico al hacer ajustes en las sombras y luces de su imagen. A menudo es posible, especialmente cuando se trabaja con archivos RAW, obtener una apariencia similar a HDR simplemente ajustando algunas configuraciones en Lightroom. Puede usar ajustes preestablecidos de HDR para lograr esto, o ajustar manualmente la configuración como luces, sombras, blancos, negros, claridad, contraste, intensidad y saturación.

    f) EL HDR EN LA CÁMARA REEMPLAZA EL PROCESAMIENTO HDR

Algunas cámaras, especialmente los modelos más nuevos, ofrecen un modo HDR que procesará sus imágenes HDR directamente en la cámara. El modo HDR funcionará de manera diferente dependiendo de su cámara, pero generalmente agrupará automáticamente múltiples exposiciones, las combinará en la cámara y guardará el resultado como una imagen separada. Esta puede ser una manera fácil de comenzar con HDR si su cámara ofrece este modo, pero no siempre es la mejor opción. Algunas cámaras solo guardan la imagen HDR terminada como un JPG en lugar de un archivo RAW, y algunas cámaras solo guardan la imagen HDR fusionada/combinada y descartan las exposiciones entre paréntesis. El modo HDR puede ser una buena manera de comenzar, pero dependiendo de su cámara, puede restringir sus opciones para procesar la imagen. En la mayoría de los casos, obtendrá los mejores resultados y la mayor flexibilidad procesando la imagen usted mismo.

           g) NECESITAS UNA CÁMARA DE GAMA ALTA PARA HDR

No, no necesita una cámara costosa para comenzar con HDR. Siempre que pueda ajustar manualmente la exposición de sus tomas, puede crear imágenes HDR con su cámara. El uso de la función de horquillado automático en una DSLR puede ser un buen ahorro de tiempo, pero incluso si su cámara no ofrece horquillado de exposición automática, aún puede ajustar manualmente la exposición entre cada disparo al horquillado según sea necesario. Esto lo ralentizará un poco, por lo que puede limitar los tipos de escenas que puede capturar, pero ciertamente es posible.

   h) HDR ES IMPOSIBLE CUANDO HAY MOVIMIENTO EN LA ESCENA

La mayoría del software de fusión HDR incluye algún tipo de eliminación de fantasmas que ayuda a lidiar con los objetos que se mueven entre tomas. Al usar la función de eliminación de fantasmas, a menudo puede lidiar con pequeños movimientos que de otro modo podrían causar problemas. Si está lidiando con movimientos más grandes o más rápidos que no se pueden abordar mediante la eliminación de fantasmas, puede recurrir a cualquiera de las técnicas que se mencionaron en el punto número cinco:  crear exposiciones múltiples a partir de la misma toma y luego mezclar, o usar Lightroom o Camera Raw para aumentar el rango dinámico y procesar una sola imagen.

Fotos de: Alejandro Glade R.

 

Escrito por: Alejandro Glade R.

La fotografía con flash

 

El flash es una herramienta muy simple pero igualmente poderosa que siendo bien usado eleva la fotografía a un nivel superior. El uso de un flash brinda más control sobre cómo dar forma a su luz y le permite ofrecer resultados más consistentes. Sin embargo, hay algo sobre el uso del flash que asusta a muchos fotógrafos principiantes.

Ese miedo queda fuera de lugar una vez que se domina algunos de los conceptos básicos, por eso digo que trabajar con flash es muy fácil.

Los sistemas de cámara y flash compatibles e incorporado pueden funcionar en modo automático, que se conoce como modo "a través del lente" o TTL. En este modo, los dos sistemas trabajan juntos para dar una configuración que, según ellos, expone el tema correctamente. Sin embargo, su Ud. elige trabajar en modo manual, también le resultará genial. Comenzar en el modo manual es una forma fantástica de obtener un conocimiento práctico de cómo funciona un flash. Le recomendamos que lo haga y se esfuerce con el modo manual.

Luego, existe una gran cantidad de temas que un principiante puede practicar al comenzar con la fotografía con flash, incluida la velocidad de sincronización, la potencia y la duración del flash.

Comprender la velocidad de sincronización es esencial para saber qué tan rápido puede ir con su velocidad de obturación cuando se trabaja con flash; Si no comprende esto, sus fotos saldrán con bandas negras que harán que sus resultados sean inutilizables. Luego está la potencia del flash, que controla la salida de luz del flash, y la duración del flash, que es el tiempo en que el flash emite su luz. Estos dos factores juegan un papel muy importante a la hora de determinar el brillo de la imagen y la nitidez de los sujetos que también pudieran estar en movimiento.

Trabajar con flash también significa considerar la cantidad de luz ambiental que desea que afecte a su imagen. Y esto significa jugar con la apertura, la velocidad de obturación y el ISO. Estos principios básicos son fundamentales para trabajar con flash.

“No importa cuán larga o corta sea la velocidad de obturación, siempre que esté por debajo de la velocidad de sincronización, consumirá toda la potencia del flash. Así que no importa a qué velocidad de obturación estés, la potencia del flash será exactamente la misma”.

Al principio, trabajar con un solo flash puede parecer abrumador. Pero una vez que te sientas cómodo, puedes dar un paso más y comenzar a trabajar con varios flashes para crear realmente la luz según tus necesidades.

 

 

Escrito por: Alejandro Glade R.

Fotografía de paisajes.

 ¿Cuántas veces hemos estado conduciendo y hemos querido parar a tomar una foto del paisaje que tenemos a nuestro alrededor y que lo encontramos… impresionante? Nos detenemos, miramos a nuestro alrededor y tenemos una infinidad de paisaje en la que las tomas se ven aún mejores. Quedamos maravillados nuestro corazón queda feliz.  Y nos volvemos a sentar en el vehículo con mucha alegría de haber capturado esas vistas.

Luego regresamos a casa a descargar las imágenes, las procesamos y descubrimos que lo que tomamos no era lo que nuestros ojos estaban viendo. ¿Habrá salido mal algo? La respuesta es bastante simple, el lente y el sensor de la cámara no funcionan como los ojos y nuestro cerebro. Nuestro cerebro selecciona partes de las escenas y produce belleza y agrado a partir de ellas, pero el sensor de nuestra cámara no lo hace.

 ¿Qué hacemos? Para acercarnos a capturar esas bellezas…

Para la fotografía de paisajes, necesitamos tiempo y un par de cosas…

MAXIMIZAR LA PROFUNDIDAD DE CAMPO

Como regla general para la fotografía de paisajes es mantener la mayor parte de la escena tan enfocada como sea posible. Esto significa que debemos maximizar la profundidad de campo o DOF. En otras palabras, debemos elegir una configuración de apertura pequeña (recuerde que pequeña en este caso significa un número grande) para obtener una mayor profundidad de campo. Como f/8 y superior. Cuanto mayor sea el DOF, más enfoque lograremos. Esto también significa que su persiana permanecerá abierta por más tiempo.

ESTABILIZA TU CÁMARA

Dado que ahora está utilizando una velocidad de obturación más larga para maximizar su profundidad de campo, debemos asegurarnos de que la cámara esté estable y no se mueva. Lo mejor que puede hacer es usar un trípode y un mecanismo de liberación del obturador con cable o inalámbrico para que la cámara no se mueva y la foto no salga borrosa.

ELIJA UN PUNTO FOCAL

Decida cuál será tu punto central. ¿Cuál será el tema, dónde está, qué tamaño tiene, si tiene suficiente contraste con el resto de la imagen y cómo se compara su forma con el resto de la composición? Su punto central, conocido como punto focal, es lo que hará que su toma se destaque y evitará que los ojos del espectador se desvíen. El punto focal en la fotografía de paisajes puede tomar la forma de muchas cosas diferentes: un edificio, un árbol, una roca, una persona, etc. La ubicación del sujeto es muy importante; utilice las reglas de composición para este propósito.

MANTENGA EL NIVEL DEL HORIZONTE

El horizonte es el próximo paso a considerar y es uno importante. Asegúrese de que su horizonte esté recto y en el tercio inferior o en el tercio superior de la foto. La regla de los tercios se aplica muy bien a la fotografía de paisajes.

USAR LÍNEAS PRINCIPALES

Ahora debemos buscar líneas en la toma. Las líneas son la forma de guiar el ojo. Le da a su imagen un sentido de dirección. Las líneas deben dirigir al espectador hacia el sujeto. Una línea puede ser una carretera, un río, una línea de costa, los bordes de una montaña, etc.

INCLUIR UN OBJETO EN PRIMER PLANO

Otro elemento para la buena composición de su paisaje, es crear una increíble toma de paisaje con un objeto en primer plano. Esto crea profundidad en su tiro y evita que sea plano. El primer plano le ayudará a equilibrar tu imagen.

MOSTRAR MOVIMIENTO

Cuando sea posible debemos transmitir el movimiento que vemos: viento, agua, nubes en movimiento, un pájaro. Una imagen estática es menos dramática que una que muestra algún movimiento; agrega dramatismo y crea un punto de interés.

DISPARA DURANTE LAS HORAS DORADAS

Tome fotografías de paisajes temprano en la mañana o al anochecer; la luz es lo mejor en este punto, y los colores, texturas y patrones aparecerán e impactarán su imagen.

 

CAMBIA TU PERSPECTIVA

Tómese un buen tiempo antes de tomar la foto final. Pruebe diferentes puntos de vista. La misma imagen se verá completamente diferente si la baja o si la sube. Así que camine, suba un poco, póngase de rodillas o en una zanja. A nuestros espectadores les sorprenderá lo que vemos y como lo capturamos.

 

 

Escrito por: Alejandro Glade R.

¿Es especial el ojo del fotógrafo?

 

El mundo es totalmente diferente para el ojo de un fotógrafo, no así para todos los demás. ¿Por qué un fotógrafo puede capturar imágenes planas y convertirlas en arte? El ojo de un fotógrafo ve la luz, los detalles, las sombras, los reflejos, las formas y cómo estas interactúan entre sí.

Todo se ve diferente si lo vemos con ambos ojos, pero el fotógrafo lo ve sólo con un solo ojo. Cierre un ojo y mire un objeto. ¿Entiende lo que quiero decir? Bueno, al cerrar un ojo antes de tomar una foto, tendremos una idea bastante buena de lo que plasmaremos en la imagen.

El fotógrafo explora la luz y la textura. La luz es probablemente la herramienta más importante. Los fotógrafos están intrigados por la forma en que la naturaleza de la luz afecta la forma en que se ven las cosas. La intensidad, la dirección y el tipo de luz ofrecen al fotógrafo un potencial para la exploración visual. Los fotógrafos dominan cómo usar las reglas de composición y saben cuándo romperlas. La fotografía es todo un proceso.

Nuestros ojos funcionan de manera similar a una cámara. Estos son algunos datos que incluso podrían resultarle divertidos: Nuestros ojos tienen una resolución de alrededor de 560 megapíxeles. Pueden diferenciar alrededor de 10 millones de tonos de colores. El ISO de un ojo no es muy bueno; se puede medir o comparar con una ISO de alrededor de 800, y con poca luz, nuestros ojos no ven el color. El equivalente de la apertura sería f/3.5 con una distancia focal de 20 mm. Lo bueno de nuestros ojos es que tienen balance de blancos automático, ISO automático y un rango dinámico muy alto.

Algunos fotógrafos nacen con un muy buen ojo, pero la mayoría de nosotros lo desarrollamos después con la práctica y el entrenamiento. Nos puede llevar varios años comenzar a notar las cosas de manera diferente.

Un fotógrafo no necesita un equipo costoso para tomar excelentes fotografías. El mejor equipo fotográfico del mundo no ayudará a un fotógrafo a ver o ser consciente de su entorno. Se trata del arte de ver y del saber ver. Con el ojo de un fotógrafo, vemos las cosas de una manera que otros no lo ven. Esa forma diferente de ver impresiona a las personas que ven tus imágenes porque a lo mejor son cosas que nunca vieron y si lo hizo un fotógrafo por ti.

Un fotógrafo piensa en conceptos de fotografía y ve en términos de fotografía. Si te gusta hacer fotos, tu actitud se reflejará en la imagen final.

Todo está ahí, es todo lo que nos rodea, esperando de ser capturado. Esa imagen que tenemos vista, y la tenemos en nuestra cabeza debemos hacer que suceda. Cuanto más lo hacemos, mejor lo haremos.

 

Escrito por: Alejandro Glade R.

 

 

 

Fotos de iglesias y catedrales con poca luz.

Catedral de Colonia, Alemania.

Nunca tuve la oportunidad de tomar tantas buenas fotos dentro de una catedral, pienso que lo logré por la poca asistencia de turistas debido a la pandemia y en una estación climática a la que los turistas le hacen un poco el quite, ¡invierno! En mis casi 55 años de fotografía nunca me había asomado por la puerta ni siquiera en mi país.

Una vez dentro, entendí por qué se han hecho tantos documentales sobre estos colosos hechos en épocas antiguas. Son verdaderos museos de reliquias impresionantes. Miguel Ángel pintó techos, y así, después de más de 100 años, los colores se conservan casi intactos y hermosos, los que podrían haber sido pintados ayer. Dentro de estas catedrales el oro y el mármol brillaban bajo los rayos del sol.

El gran problema, la oscuridad interior y la prohibición de usar flash dentro de ellas. ¿Cómo iba a fotografiar aquí? Los techos estaban demasiado distantes. Trataría de alguna forma de capturar lo que estaba viendo… recurriría a las ISO automáticas, sabiendo que podría también capturar mucho grano, eso arruinaría mucho los colores delicados y los detalles, además el problema era agravado por el reflejo y brillo de las vidrieras. Todo se lo dejaría a la labor de la automaticidad de la cámara.

Haría todas las pruebas posibles con tal de ver resultados y manipularlas en mi estación de trabajo Usaría HDR y otras técnicas de exposición múltiple.

Las ventanas son fáciles porque son muy brillantes. Me dan muchas opciones de apertura, velocidad de obturación o ISO. Pero Ud. debe saber que cuando expone correctamente un vitral, todo lo demás se verá casi negro.

Si elige exponer dentro de salones u habitaciones, las ventanas habrá que bajarlas porque saldrán demasiado brillantes, y no querrá perder nada de la habitación y para eso pondrá una apertura lo más pequeña posible, un f/8 o menor.

Y si no queremos fotos muy granuladas, tendremos que usar una ISO lo más baja posible. 

Eso significa que tendremos que conformarnos con una velocidad de obturación lenta, ½ segundo, quizás 1 o 2 segundos, y por supuesto en trípode.

Eso es real, necesitamos un trípode para mantener la cámara estable a esas velocidades. Pero si no tienes uno, con un poco de búsqueda inteligente nos permitirá encontrar superficies sólidas sobre las que apoyar tu cámara. Un poco de presión contra un poste, la parte superior de un banco, los lados del banco o el piso al menos le permitirán tomar algunas fotos.

Además, puede usar el disparador automático de su cámara para evitar el temblor de sus manos. Encuadre su toma, configure el temporizador y baje la cámara.

¡El truco de la velocidad de obturación lenta hizo milagros! Llegué al hotel ese día con gran cantidad de tomas desde el interior de esta hermosa catedral. Recuerdos para toda la vida.

Cuando nuevamente te enfrentes a este tipo de desafíos, recuerda llevar tu trípode y usar la velocidad de obturación lenta. Quedarás sorprendido de las imágenes que capturarás sin tener demasiada luz.

Escrito por: Alejandro Glade R.

Obder Heffer Bissett, el fotógrafo de la elite

 

Obder Heffer Bissett

Nació en la ciudad de Saint-John, New Brunswick, en Canadá, el año 1860, viajó a Nueva York el año 1879, e hizo cursos donde aprendió el arte fotográfico en un estudio de Broadway. Fue uno de los más destacados fotógrafos de Chile a finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Se le reconoce particularmente por su estudio y calidad de fotografía, a su estudio acudía la mayoría de la elite de la época, influyó mucho por su papel en la conformación de una "imagen país" a través de numerosas fotografías de paisajes naturales y urbanos.

Fotografió a las principales familias de Santiago, pero también políticos, profesionales y artistas, cuyos retratos aparecían publicados en revistas de la época tales como Flores Chilenas, Luz y Sombra, Zig-Zag, Familia, Pacifico Magazine y Mundo Social.

Carretas de bañistas en playa Constitución

Desde otra arista, resulta significativo el registro que realizó de los paisajes naturales y urbanos de Chile, a la par con su trabajo con los pueblos originarios. Su vasta colección de fotografías de Chile podía ser admirada y adquirida por el público, presentada en unos álbumes de cuero verde grabado con el nombre del fotógrafo. Esta producción, contribuyó a forjar una "imagen país" en la antesala del Centenario, fue ampliamente reproducida en las publicaciones de la época.

Familia Rapa Nui

Vista de Punta Arenas

Valdivia

Con Con, Viña Del Mar

Salto Del Laja

 Odber Heffer B., fallece en Santiago a la edad de 85 años, para su funeral fue despedido por cientos de chilenos que admiraron sus fotografías. Gracias a su trabajo, parte de la historia de Chile, permanece hoy en imágenes.

 

Escrito por: Alejandro Glade R.

La perspectiva en la fotografía.

 

En este artículo intentaré explicar cómo funciona la perspectiva en una fotografía 2D con algunos consejos, mitos y fotos de ejemplo.

Cuando vemos una fotografía en la pantalla de la computadora o impresa, estamos viendo una representación bidimensional de una escena tridimensional real.

Y de eso se trata la fotografía: capturar una escena 3D en una imagen 2D. Y yo me ​​preguntaba cómo los fotógrafos demuestran la profundidad o el sentido de la escala en una (buena) fotografía.

Utilizan el concepto de perspectiva.

Esta área s muy difícil en la fotografía, porque si un fotógrafo no es consciente de ello, puede producir distorsiones no deseadas o imágenes planas y poco atractivas al espectador.

El 3D es real. Una representación 2D de una escena 3D es solo una ilusión que nuestro cerebro sintetiza la información para determinar la "profundidad" en tiempo real. Se pueden crear poderosas composiciones aplicando los conceptos de perspectiva para convertir efectivamente una escena 3D en una traducción 2D.

DEFINICIÓN DE PERSPECTIVA

La perspectiva en fotografía se puede definir como la sensación de profundidad o las relaciones espaciales entre los objetos de la foto, junto con sus dimensiones con respecto al punto de vista (lente de la cámara o el espectador).

Ahora pasemos a las técnicas.

1. BLOQUEO, SUPERPOSICIÓN U OBSTRUCCIÓN

Esta es probablemente la cosa más tonta que puedo decir a este respecto. Pero se las diré de todos modos. Cuando vemos un objeto que bloquea la vista de otro objeto, el primer objeto está más cerca del espectador que el último, suena tonto pro es la realidad.

Esta pista para nuestro cerebro con respecto a la distancia se puede utilizar en una fotografía para representar la profundidad o la distancia entre los objetos, también llamada perspectiva superpuesta. Si esta superposición se repite en la misma imagen, el espectador obtiene una sensación de profundidad entre varios objetos que se encuentran en una realidad 3D a través de la percepción de la distancia relativa de los objetos hecha por bloqueo y ocultación parcial.

2. TAMANO RELATIVO

Nuestro cerebro es muy complejo, pero se deja engañar fácilmente. Tenemos la noción de que cuando un objeto se vuelve más distante, parece más pequeño que el que está más cerca del espectador.

En realidad, nuestro cerebro tiene codificaciones del tamaño “natural” de diferentes objetos, como árboles, autos, personas y animales. Entonces, cuando vemos a una persona el doble de grande que un edificio, no podemos concluir racionalmente que la persona es en realidad el doble de grande.

Nuestro cerebro nos dice que el edificio está más lejos. Alternativamente, cuando colocamos cuidadosamente diferentes objetos a diferentes distancias, pero damos la ilusión de que están en el mismo plano, producimos imágenes divertidas.

Entonces, en pocas palabras, nuestro cerebro hace una evaluación de los tamaños en función de los objetos conocidos en relación con otros objetos en la foto. Así se imagina una distancia en el cerebro y se crea la profundidad en la foto que busca el fotógrafo. Esto también se denomina escalado: ayuda al espectador a determinar el tamaño real o el tamaño relativo de los objetos en la imagen.

3. LO LINEAL, RECTILÍNEO Y PUNTO DE FUGA

Como ya se mencionó, una imagen 2D no es más que una ilusión de una escena 3D, sin embargo, los artistas y fotógrafos utilizan este efecto de ilusión como un factor compositivo importante en sus obras.

El ojo humano juzga la distancia por la forma en que las líneas y los planos convergen en un ángulo. Esto se conoce como perspectiva lineal.

Cuando se expande a objetos rectangulares, encuentra que algunas lentes (ojo de pez y panorámicas) producen objetos a los lados mucho más pequeños de lo que son y los objetos en el centro mucho más grandes que su tamaño real. Geométricamente, todas las líneas rectas horizontales al nivel del eje de la lente se representan como líneas rectas, y todas las demás líneas rectas horizontales, ya sea por encima o por debajo del nivel del eje de la lente, se reproducen como líneas curvas. Pero con la "perspectiva rectilínea", las líneas rectas del sujeto se reproducen directamente en la imagen (los lentes normales son lentes rectilíneos), que es la forma en que vemos las cosas normalmente.

Vale la pena mencionar que cualquier foto está sujeta a "distorsión de proyección de perspectiva", que se puede controlar y corregir con varios métodos que describiré en la Parte II de esta serie.

Los lentes de ojo de pez y panorámicos producen perspectivas “falsas” y se usan solo para producir efectos especiales a propósito (más sobre esto en la Parte II: Jugando con la perspectiva).

Así que volvamos a la perspectiva lineal. Las líneas que son paralelas entre sí cuando se ven a gran distancia nos dan la sensación de encontrarse (en puntos de fuga), por ejemplo, en las vías del tren. La ilusión de líneas paralelas convergentes se puede utilizar para mostrar la distancia o la profundidad en la foto.

4. FALTA DE NITIDEZ, CALIDAD DE COLOR O CONTRASTE

Estamos acostumbrados a que nuestros ojos no sean capaces de descifrar objetos en la lejanía debido a la disminución del contraste o la dispersión de la luz, o ambos. Podemos utilizar esta información para crear el efecto de falta de nitidez/contraste controlando la profundidad de campo. Ahora, controlar la profundidad de campo es un tema totalmente diferente en la fotografía, y no quiero mezclarlo con la discusión actual sobre el control de la perspectiva. Pero solo por el bien de la exhaustividad, puedo darte una pista rápida: solo enfoca tu lente un poco más abajo que el infinito para que el objeto más lejano se vea borroso, dando así a los espectadores una sensación de distancia.

Además, las condiciones atmosféricas como neblina/niebla/polvo pueden provocar la pérdida de nitidez de la imagen a distancia. Dado que el efecto de esta "neblina" (dispersión de la luz debido a las partículas en el aire) es proporcional a la distancia de los objetos a la lente, también podemos usar esta información para componer la toma.

Por supuesto, hay varios factores diferentes que contribuyen a las condiciones atmosféricas variables, pero el efecto resultante de la reducción del contraste, el brillo y la saturación puede hacer que nuestros ojos crean que estamos mirando algo muy distante en comparación con los objetos que son claros, nítidos y vibrante.

Así que la próxima vez que intentes componer una foto, antes de presionar el obturador, piénsalo de nuevo. ¿Eres capaz de ilustrar con éxito el factor 3D a través de cualquiera de los métodos de ilusión mencionados anteriormente? En la Parte II de este artículo, explicaré el mito de la perspectiva, el zoom/encuadre y las correcciones de distorsión.

 

Escrito por: Alejandro Glade R.