viernes, 3 de julio de 2015

Pintando con la luz


Valparaíso, Chile
Todos ustedes han escuchado la frase, "ver la luz". Todo lo que vemos está formado por la luz. La luz tiene dirección, anchura, intensidad y color. La luz es lo más importante en todas las técnicas artísticas. La comprensión de todas las propiedades de la luz es muy beneficiosa para el fotógrafo y el artista, también es bueno entender y reconocer el efecto de la luz sobre un tema cuando lo vemos. También debemos tener siempre en cuenta que la luz tiene su opuesto, y que debe ser muy importante para el fotógrafo, la sombra. La luz y las sombras son el material de trabajo para la fotografía.

Al aire libre, la luz solar nos muestra bordes nítidos, crea formas y dimensiones, revela texturas y esboza siluetas. Las diferencias de color entre la luz solar directa y la luz desde el cielo abierto intensifican la sensación de aire libre, aunque este efecto se debe utilizar con discreción. Un día nublado generalmente retrata un estado de ánimo más sombrío, iluminando todo con un elenco azul de mayor peso. Un filtro de calentamiento o cálido cambia el estado de ánimo que provoca el azul en una fotografía a una emoción más agradable.

Valparaíso, Chile
En los Interiores, la luz que entra por una ventana es muy forma en que se nos revela la naturaleza. Se debe tener cuidado al proporcionar luz sobre el lado de una sombra, esto es porque  la imagen se debe equilibrar. Un cielo azul como fuente debe ser cálida y para eso debe de ser calentada con un filtro para que corrija los colores dominantes. Las nubes iluminadas por el sol son una fuente perfecta de luz para sus ventanas en la fotografía. La luz incandescente es mucho más cálida y debe usarse con cuidado. Cuando se utiliza la luz incandescente, debe ser usado un filtro de enfriamiento que evitará que la fotografía se vea demasiado naranja. Las luces fluorescentes carecen de  rojo y pueden no reflejar los tonos de piel correctamente.

Viña del Mar, Chile

La anchura de las fuentes de luz deben ser tomada en consideración. La fuente de luz más amplia que se conoce es el efecto envolvente de un día soleado en la playa. Las formas redondeadas son aplanadas, los detalles se oscurecen, y las áreas de colores parecidos se presentan a menudo monocromáticamente. Una fuente puntual como el sol o una bombilla de luz arrojan sombras afiladas y duras y se notarán más en los pequeños detalles. Cada efecto de la luz puede ser utilizado como una herramienta para crear y desarrollar los objetivos que necesita el artista, y así conseguir el efecto especial que es necesario para el mensaje dentro de la composición, el fotógrafo debe esperar por el tiempo perfecto y el clima perfecto. Fuentes de ancho mediano de la luz son deseables y muy buenas
para hacer efectos en el rostro humano.

En la práctica, cuando se está fuera al aire libre, busque un muro blanco que refleje la luz para aclarar áreas sombreadas del objetivo. Alguna cosa que sea iluminada por el sol, o cualquier cosa con un área sensible que refleje la luz hace una buena fuente de luz. A no ser de que usted quiera, asegúrese de que la superficie no está demasiado lejos sujeto.




El ángulo de la luz también es importante. Para las caras, las horas entre nueve de la mañana y una hora antes de la puesta del sol no son los tiempos más favorecedores. Los momentos justo después del amanecer y justo antes del atardecer se refieren a menudo como "la hora mágica" son buenos para la mayoría de los otros objetos pero no para los rostros.

Cuando usted vea un anuncio de un auto nuevo por ejemplo, trate de determinar la dirección y la hora del día en que se tomó la fotografía. Y se dará cuenta y encontrará que la "hora mágica" jugó un papel importante en la fotografía.

Hay ciertas combinaciones de luz que se ha probado en el mundo de la fotografía y el arte. Los alimentos a menudo se fotografían con una amplia fuente de luz de diferentes ángulos. El rostro humano es más halagado con una luz suave en un ángulo de 30 grados a la derecha o a la izquierda de la cámara y ligeramente por encima del objetivo, a veces a esta luz se le llama luz circular. Antiguamente la famosa luz de "norte" en la jerga de los artistas pintores, presenta una fuente inmutable de luz cuya dirección estaba controlada con cortinas móviles. Por desgracia, el flash incorporado utilizado por millones de fotógrafos por la facilidad y rapidez que esto implica, da la iluminación al sujeto de manera uniforme, aplana las tres dimensiones del sujeto, ocultando los verdaderos volúmenes y la  verdadera redondez de la forma. 

Debemos como fotógrafos recordar en cada momento que la luz natural es importante, y una buena calidad de luz nos entregara con seguridad una buena fotografía. Trate de colocar este efecto en la memoria permanente para uso futuro. 

Escrito por: Alejandro Glade R.


martes, 16 de junio de 2015

Las fotografías de nuestros viajes.

Usted probablemente conoce la revista amarilla "National Geographic". Si usted navega a través de sus páginas en colores se puede ver que muchas de las imágenes son tomadas bajo la cálida luz de las mañanas y de las tardes o noches,.

Los fotógrafos de National Geographic son lo mejor de los fotógrafos. Usted puede imitar fácilmente esta práctica y crear imágenes mucho más interesantes que la mayoría de la gente que trae fotografías de sus salidas de casa y de viajes.


La poca luz modelará el paisaje que se ve por los ojos, por lo que, por ejemplo, se destacan los surcos de arado o diferencias en la topografía y la textura.

Como fotógrafo sé, que el tiempo de las excursiones fotográfica es limitado y sus circunstancias son a menudo menos que óptimas, el tiempo siempre se hace muy corto cuando uno va a estas excursiones, por eso como lo he recomendado en otros artículos, trate de llevar siempre consigo alguna máquina fotográfica, puede estar ahí, a la vuelta de la esquina esa fotografía que usted está esperando.

Mi recomendación además es que tome las fotografías durante el día. Y a continuación, de un paseo por el lugar donde está hospedado o camping, pero siempre durante las dos últimas horas del día. Antes del tome fotografías adicionales con esta luz especial de las tardes. Trate de hacer lo mismo durante las mañanas antes del desayuno. De esa manera usted podrá combinar las mejores posibilidades.

Como usted tiene una cámara digital, podrá eliminar fácilmente las imágenes que no califiquen con las expectativas posteriores.








Cuidado! Porque esta luz de las mañanas o de las tardes da largas sombras, así que debe de buscar los ángulos adecuados para que estas sombras no perjudiquen su toma. Lo importante es mostrar estas sombras correctamente, los días nublados suavizan las sombras.



Si su cámara digital permite el formato crudo, en el futuro podrá trabajar las sombras adecuadamente en Photoshop, si usted elige este formato RAW en lugar de la compresión JPEG de costumbre, el formato RAW  le ofrecerá un gran abanico de posibilidades. Eso si dependiendo de cuánto le guste optimizar sus imágenes en casa con un programa de edición de imagen.






En la práctica se debe evitar las sombras pesadas. Cuando se toma fotos en las ciudades los grandes edificios se encuentran entre los objetos difíciles de fotografiar. Así que trate de hacer la toma desde el mejor ángulo, sin las grandes sombras, si es posible.

Si sigue estas instrucciones estoy seguro de que el atractivo de las fotos de sus viajes se incrementará. Disfrute de las fotografía de sus viajes y acuérdese de estos consejos durante sus composiciones.


Escrito por: Alejandro Glade R.










miércoles, 10 de junio de 2015

Como usar la prioridad de apertura


Las personas que invierten en un solo lente para su reflex (DSLR), lo hacen por muchas razones, pero la mayoría quiere más control sobre sus disparos. Imaginan que es el lente adecuado, por tener mayor control en las mediciones de luz, y mejor manejo de los controles, y por ende tomar fotografías perfectas en el primer intento. Des afortunadamente, no es así, la mayoría quiere tener más control sobre su cámara y rara vez se aventuran más allá de los modos automáticos o de programa, en el uso de su cámara réflex digital usándola como una cámara de apuntar y disparar.  Creo que la gente simplemente no sabe por dónde empezar. Este artículo menciona de cómo ajustar manualmente la apertura con una configuración de prioridad de apertura.


Antes de que veamos cómo se hacen los ajustes para la prioridad de apertura, revisaremos lo que hace la abertura en una cámara. El término abertura se refiere a la cantidad de luz que se permite pasar a través de la lente. Para ilustrar cómo funciona una abertura, pensemos cómo funciona el iris en el ojo. Cuando está oscuro, su iris se relaja para permitir que más luz entre al ojo a través de la pupila. A medida que aumenta la cantidad de luz, su iris se contrae por la cantidad de luz que entra al ojo. La apertura de una cámara, como el ojo, puede ir cerrándose  de forma gradual o abriéndose, según como cambien las necesidades de luz para cada toma.

Control de modos de una cámara


"Apertura"  modo de prioridad de apertura en la mayoría de las cámaras DSLR se indica con una "A" o un signo de "Av" en el dial de selección.

Una vez que la línea se coloca en Av, usted tendrá la oportunidad de cambiar los ajustes de apertura. Aunque los ajustes de apertura se ajustan en el cuerpo de la cámara, las tolerancias de ajuste siempre son dictadas por los fabricantes de los objetivos o lentes. Cada incremento de cambio realizado en la abertura se indica mediante lo que se llama un  f-stop.  Al referirse a las paradas de f es clave entender que mientras más bajo sea el número, mayor será la abertura.  Y lo contrario de estos sería cuando los números son más altos indican que es menos la luz que entra en la cámara.

Diafragma de 5 láminas,  f/5.6
Al ajustar manualmente la abertura en el modo de prioridad de apertura f-stop, la cámara continuará ajustando la velocidad de obturación. 

Ponga la cámara en el modo de prioridad de apertura, ajuste la apertura a un nivel bajo para que aumente la luz, vamos a ponerla cerca de f / 4. La cámara calculará automáticamente la cantidad de tiempo que el obturador debe permanecer abierto en f / 4 con el fin de exponer correctamente la fotografía. Dado que la cámara selecciona la velocidad de obturación, se recomienda el uso de un trípode al configurar la cámara en el modo de prioridad de apertura para evitar los efectos de movimiento de la cámara.

Tamaños de aperturas (f-stop) , desde una apertura pequeña a una apertura grande.
El modo de prioridad de apertura también se puede usar cuando se desea aumentar la cantidad de profundidad de campo. La mejor manera de utilizarlo a la hora de tomar fotografías de paisajes. Es cuanto mayor sea el f-stop que está establecido, lo que permite menos entrada de luz en la cámara.  Aunque pueda parecer contra-intuitivo al principio, pero a menos luz por lo general tenemos una mayor claridad.  Al seleccionar un valor alto de apertura, digamos alrededor de f / 16, seremos  capaces de capturar más detalles cuando hagamos un disparo hasta el infinito.



Ahora entendemos que cuando nos fijamos el ajuste de la abertura en el modo de prioridad de apertura,  la cámara compensará automáticamente los ajustes de la velocidad de obturación. A medida que disminuimos la cantidad de luz, la cámara debe compensar aumentando la cantidad de tiempo que el obturador permanece abierto, por lo que el uso de un trípode es muy recomendable.


El hacer fotos en el modo de prioridad de apertura es el primer paso para salir de la zona fácil, que es la  totalmente automática. Piense en prioridad de apertura como entrar en modo semiautomático mientras aprende como trabajan otras de las funciones o modos de la cámara.  Al revisar las fotos, tómese un momento para revisar la velocidad del obturador que quedó seleccionada para cada toma. Una vez que esté cómodo trabajando con la prioridad de apertura, aprenda como trabajar en algún otro modo.

Escrito por: Alejandro Glade R.


martes, 9 de junio de 2015

Dos temas importantes para los principiantes.


No es tan difícil de empezar a hacer buenas fotografías. Es como tocar un instrumento. Cualquiera puede llegar a un buen nivel, pero los que son dedicados y ponen su esfuerzo y talento artístico se pueden convertir en grandes. Voy a indicar algunas ideas para  llegar a ser un buen fotógrafo.

Las dos claves principales para empezar a tomar mejores fotos son simples:

- Dominar al máximo el control de la cámara y el equipo.
- Aplicar toda la experiencia en las composiciones. (ver:Composición Fotográfica, ideas interesantes)
Los que son expertos esto ya lo tienen dominado, pero usted como principiante deben tratar de dominar bien estas áreas de especialización de la mejor manera posible. Cuando los fotógrafos expertos toman fotos, se demoran muy poco tiempo en componer la fotografía. En su lugar, se centran más en el mensaje, el estilo, y lo que quieren de la foto para impactar al espectador. Eso es arte!


Es bueno llegar a este nivel, y dominar bien estos dos aspectos de la fotografía.

Esta puede ser la parte más fácil de la fotografía. Es un poco como las matemáticas. Usted debe entender lo de la exposición, la apertura, la velocidad de obturación, etc., sabiendo esto usted hará una exposición correcta y listo. Si usted no sabe lo que significan esos términos, entonces usted necesitará aprenderlos! Lea temas de fotografía como entretención, siempre le servirán.



Básicamente, la velocidad del obturador controla la cantidad de luz que durante un tiempo entra en la cámara. Apertura controla el tamaño de la apertura de la lente, que afecta a la cantidad de luz que dejó entrar. Así que, cuando se toma una foto, la cámara permite que la luz de una determinada cantidad de tiempo a partir de un determinado tamaño de la abertura.

Hay una enorme cantidad de técnicas de composición, muchas de ellas entran en conflicto entre sí. La clave es utilizar las reglas de composición que funcionan con cada situación en particular. Para entenderlo mejor les entrego tres técnicas de gran alcance y fácil de implementar:

Aislar. Los principiantes cometen el error de tratar de fotografiar todo en un solo tiro. No, esa no es la forma. Tome una fotografía simple con un tema definido de la otra manera nadie va a entender cuál es el objeto principal y punto de interés, de esta manera la foto no será desordenada.



1.- Muchos habrían  sacado una sola foto de esta vista, pero para lograr una mejor composición se hiso una de cada ribera. (foto 1 y 2)
Foto 2
Evite los puntos muertos. Las personas que toman fotos de "recuerdos" toman muchas fotos que tienen puntos muertos. ¿Quieres fotos que se vean bien, entonces se debe utilizar la regla de los tercios. En pocas palabras, debemos evitar poner al sujeto en el centro del marco. Coloque el objeto a la izquierda o a la derecha, arriba o abajo y obtendrá una buena fotografía.

Fotografía de Pat Kehoe



Uso de Líneas. Muchos consejos de composición entran en esta categoría. Utilice líneas para conducir al tema de interés. Esto puede añadir más impacto al tema. Por ejemplo, tener líneas en una carretera y un vehículo desplazándose. Además, también se pueden utilizar líneas para establecer un estado de ánimo. Las líneas verticales hacen miran a un ritmo más rápido, mientras que las líneas horizontales dan la sensación de relajación y calma.








Escrito por:  Alejandro Glade R.








jueves, 4 de junio de 2015

¿Por qué tomamos fotos?

¿Cuál es el atractivo que hace que los fotógrafos continúen tomando fotografías?



Los fotógrafos profesionales lo hacen para recibir el pago. Es la forma en que se pagan las cuentas. Es la forma de llevar comida a la mesa de la casa. Es la forma con que se mantienen algunas familias. Pero, también tienen un gran amor por la fotografía. Este amor es tan fuerte, que impulsa a los fotógrafos a mantenerse tomando fotografías. Así es que creo, y sin equivocarme que la verdadera pregunta es, ¿por qué nos encanta la fotografía? 



¿Cuántas veces hemos ido a la casa de un amigo o a la casa de algún familiar y hemos logrado sacar gran cantidad de fotos y nos ha permitido hacer un álbum de fotos? ¿Al volver a revisar ese álbum has vuelto a sonreír por lo menos una vez? Probablemente si.  Y al recorrer las páginas de ese álbum de fotos hemos re-vivido algunos de los recuerdos que has visto. También nos hemos dicho cosas como "esta foto me recuerda esto…!" y si estás mirándolas junto a otra persona, la frase sería ; te acuerdas de esto? o "Lo pasamos muy bien aquí!" No importaba que las fotos fueran tomadas por un fotógrafo aficionado. Las fotos son la captura de recuerdos.

Son momentos que están ocurriendo todo el tiempo y que pasan rápidamente. Un gatito se abalanza sobre una bola de lana. Una ola rompiendo contra la orilla. La fotografía congela esos momentos para que con el tiempo podamos disfrutar de ellos.


¿Alguna vez te has detenido a mirar en tu máquina réflex, la fotografía que acabas de tomar? Muchas veces…, el tema de una fotografía es tan poderoso, que no importa si fue tomada por un fotógrafo profesional o un aficionado. Las historias que cuentan estas fotografías a veces pueden tener la capacidad de eclipsar cualquier habilidad técnica del fotógrafo. Estas historias pueden ser felices, tristes, o de muchas otras emociones. Piense en las fotos de los medallistas olímpicos en ese momento de la victoria. Piense en las fotos de tragedias como desastres naturales o la guerra. Estas historias también pueden ser personales, como las fotos tomadas en su matrimonio.

Usted habrá oído más de una vez esta frase que con el tiempo se convirtió en refrán y que dice: 
"Una imagen vale más que mil palabras." Y es totalmente cierto. Los fotógrafos profesionales y aficionados por igual tienen la capacidad de expresarse a través de sus imágenes. Cuando alguien mira una de sus fotos, que son de algo que está exactamente igual a lo que estaba ocurriendo en ese segundo, además transmite las ideas de una manera muy artística, visual y creativa.

Estoy seguro de que puede estar de acuerdo con muchas de las cosas que he escrito acerca de nuestro amor por la fotografía. También creo que muchos fotógrafos quisieran poder mejorar su capacidad con una cámara y me incluyo. Todos nosotros hemos mirado las fotos que hemos tomado, y hemos comparado con las fotos que otros han tomado de la misma o de similar contenido. Es posible que nos hayamos preguntado, "¿Cómo llegan esas fotos a ser mucho mejores que las mías?" ¿Cuántas veces hemos tomado una fotografía, que sólo nos ha decepcionado el resultado? Puede ser frustran-te a veces.

Como dice el viejo refrán, la práctica hace al maestro. Podemos disparar y tomar 100 fotografías,  y encontrarnos con que sólo una es absolutamente increíble. Y esta será la fotografía que nos mantenga  la pasión por fotografiar y seguir disparando. Es que una foto que nos inspire, la trataremos de hacer de nuevo.

Así que salga con su cámara y capture algunos recuerdos! Vaya y capture los momentos que suceden a su alrededor! Cuente historias con sus imágenes! Mejorará continuamente su fotografía! Y lo más importante, comparta sus imágenes con los demás, debido a que su fotografía no sólo puede inspirarlo a usted, sino que también puede inspirar a otros también.




Escrito por: Alejandro Glade R.


jueves, 14 de mayo de 2015

Consejos para tomar buenas fotos del paisaje urbano.


Las ciudades no son sólo lugares donde vive la gente, son además empresas y oficinas donde trabajan muchas personas,  que también están llenos de energía. Hay muchas cosas que hacen que en las fotografías de una ciudad capturemos la esencia de ella, cosa que en una sola fotografía es una cosa muy difícil de hacer.


Lo que define una ciudad para fotografiar en realidad depende de la hora del día e incluso de la temporada. Durante la mañana las ciudades están pacíficas y tranquilas, mientras que durante la tarde o la noche cobran vida con la intencidad de la actividad y las luces.









La mayoría de las personas que viven en una casa particular de la ciudad no se toman el tiempo para detenerse a admirar los magníficos monumentos y lugares de interés que hay en su propia ciudad, y que son parte maravillosa de ella. Una muy buena fotografía de la ciudad no sólo muestra los majestuosos edificios en el corazón del centro de la ciudad, sino que también debe mostrar algunos de los aspectos más fascinantes y placeres de la vida cotidiana.











Elija un tema interesante.  Asegúrese de tener un tema interesante para la foto, ya sea en la sección central de la foto o en el primer plano.

Tome una mezcla de primer plano y de fondo.  Asegúrese de que tiene una buena mezcla de interesantes zonas frontal y de fondo en toda la foto.

Deje espacio para recortar.  Cuando usted está enmarcando la foto en el visor asegúrese de que hay algo de espacio alrededor del borde de la foto para recortar la imagen final.








Utilice un trípode con nivel.  Antes de hacer la foto, asegúrese de que utiliza un trípode nivel para que
el horizonte es recta. A pesar de que se puede arreglar esto más adelante en photoshop es más fácil hacer las cosas bien en el primer lugar para ahorrarse la molestia.

Mantenga el Sol detrás de usted.  Trate de mantener el sol detrás de usted para que usted obtenga la mayor cantidad de luz en su la ciudad y el cielo tiene un aspecto azul brillante a la misma.

Elegir el momento adecuado del día.  Trate de tomar fotos tan temprano como pueda o tan tarde como sea posible en el día, ya que estos tiempos en general, dan la mejor luz y producen más sombras y detalles sobre sus fotos.










Use la exposición correcta.  Al ajustar la exposición para una foto a que su lectura se toma en la parte más brillante de la foto para que no hay sobre exposición.

Use un temporizador o control remoto.  Utilice siempre un temporizador o mando a distancia para tomar la foto de manera que no tenga ningún movimiento de la cámara causado por usted cuando oprima el botón del obturador.

Utilice un filtro polarizador.  En su cámara SLR utilice un filtro polarizador para eliminar los reflejos de luz que rebotan de ventanas y objetos metálicos.





Utilice un lente gran angular si es posible.    Con el fin de obtener resultados nítidos desde su cámara SLR. Si no lo tiene es una inversión que hay que hacer si queremos trabajar en fotografías de ámbito urbano.


Mediante el uso de estos consejos  seguro que mejorara notablemente cualquier foto que tome de los edificios de la ciudad o del horizonte, como también paisajes urbanos, le resultarán más claros y bien definidos, también tendrán un amplio espectro de color y la luz, que es el signo de una gran foto.















 Todas las fotografías son de:  Catalina Glade De Gatica.


Escrito por: Alejandro Glade R.





viernes, 8 de mayo de 2015

El pueblo mapuche visto por Gustavo Milet R. (fotógrafo)



Gustavo Milet Ramírez, Chileno nacido en Valparaíso en el seno de una familia de origen francés, el 18 de diciembre de 1860, llegó a Lebu en 1886 donde se casó y en 1890 se trasladó a Traiguén y comenzó a hacer fotos con la sociedad local, donde murió en 1917. Su obra fotográfica consiste en un álbum familiar, con fotos de su esposa, hijos y amigos;  retratos de personas, en estudio; fotografías de ciudades y pueblos cercanos a Traiguén.

Fotógrafo que se dio a conocer por sus fotografías sobre el pueblo mapuche y fotografías de la Araucanía. Gustavo Milet está considerado como uno de los grandes maestros de la fotografía chilena.









Junto a Christian Enrique Valck  y Obder Heffer es uno de los fotógrafos que investigó a la sociedad mapuche  de finales del siglo XIX y principios del siglo XX por medio de la fotografía, sin embargo algunos autores que sus fotografías tenían sesgos colonialistas, mientras que otros autores lo defienden y sostienen que Milet realizaba sus retratos mediante las mismas técnicas y formas que empleaba con toda la gente, mapuches y no mapuches, esta forma de fotografía hacia que se dignificara a los indígenas.

 Fotografía (blanco y negro); tarjeta Cabinet; un retrato de estudio cabeza y  hombros de una mujer mapuche; ella lleva un trarilanko (diadema), medella (tocado de la moneda de la cadena), Quipan (un paño cuadrado, envuelto alrededor del cuerpo), ikulla (chal) o manta (manta), chaway (pendientes), tupu (alfiler de ropa), y trapelakucha (colgante pectoral); Traiguén, Chile.


Este análisis nos lleva a observar que las fotos de Milet están cuidadosamente pensadas para representar a los principales grupos humanos del pueblo mapuche.

Gustavo Milet Ramírez, es sin lugar a dudas, uno de los más importantes fotógrafos de la Araucanía de finales del siglo XIX y principios del XX. El primer fotógrafo retratista de las familias de Traiguén y localidades cercanas como Angol, Los Sauces y Purén, también realizó retratos grupales al aire libre de miembros de las colonias y colegios de inmigrantes extranjeros. Documentó actividades culturales y fotografió paisajes urbanos, marinos y campestres de Chile. De uno de sus tantos viaje al sur de Chile, quedó el registro fotográfico de su paso por las principales ciudades desde Traiguén a Melinka.

 Fotografía (blanco y negro); tarjeta Cabinet; un retrato de estudio de una mujer joven mapuche  frente a un fondo pintado de una escena al aire libre; ella lleva un medella (tocado de la moneda de la cadena), Quipan (un paño cuadrado, envuelto alrededor del cuerpo), ikulla (chal) o manta (manta), chaway (pendientes), tupu (alfiler de ropa), trapelakucha (colgante pectoral), y un anillo; Traiguén, Chile.

Milet es conocido principalmente por la magnífica colección de retratos de mapuches que realizó tanto en estudio como en exteriores durante el período comprendido entre 1890 y 1917, los que sirvieron de materia prima para postales impresos por editores como Carlos Brandt y Arnoldo Stegman Putsche, este fue el punto de partida para que surgieran las tarjetas postales Chilenas, que ya se identifican claramente en  el 1900, coincidiendo con el año en que en Europa también estaba en su apogeo. La  introducción de la postal ilustrada con imágenes obtenidas ya estaba en Chile, se comenzó a realizar de forma seria y comercial por los primeros empresarios editores que había en  Valparaíso, que tenían una muy cercana relación con la cultura europea. Entre 1899 y 1912, había ya ochenta y tres editores en diversas ciudades de Chile, los que produjeron las primeras tarjetas postales con ilustraciones obtenidas de procesos que derivaron de las diversas técnicas de la fotomecánica, tales como la fotolitografía, el fotograbado y el huecograbado.

 Fotografía (blanco y negro); tarjeta Cabinet,  cabeza y hombros retrato de un Lonko (jefe mapuche masculino) o Cacique de Lloncon, vestido con  Manta (Manta / poncho); Traiguén, Chile.
Los retratos originales, montados en formato “Cabinet”, formato de 10 X 15 creado en Europa por la firma  inglesa Windsor & Bridge Co., especialmente para las fotografías familiares, estas mismas se llamaron en España como “tarjeta álbum”. Hoy en día artículos muy preciados por coleccionistas, entre otros.

 Fotografía (blanco y negro); tarjeta de Cabinet;  retrato de estudio de tres mujeres mapuches y tres niños mapuche, contra un fondo pintado de una escena al aire libre; las mujeres y los niños usan diversos trarilonko (cordón del pelo / cabeza), Quipan (un paño cuadrado, envuelto alrededor del cuerpo), trarihue (cintura) ikulla (chal) y tupu (alfiler de ropa); dos de las mujeres están de rodillas, que participan en el procesamiento de alimentos( moliendo trigo), la tercera mujer coloca al lado de un tronco de árbol que sostiene uno de los niños; Traiguén, Chile.

Muchas postales impresas con retratos de mapuches fotografiados por Milet han circulado durante más un siglo, pero él sigue siendo un autor casi desconocido, a causa de dos cosas importantes: que muchas de dichas postales no llevan impreso el nombre del fotógrafo, sólo llevan el nombre del editor, y también estas fotos no llevaban textos de ningún tipo, no había fuente inicial de información como para hacer los análisis fotográficos.

 Fotografía (blanco y negro); tarjeta Cabinet;  retrato de estudio de una mujer mapuche y su bebé visto de pie en el perfil,  frente a un fondo pintado en una escena al aire libre; la mujer lleva un trarilonko (cordón del pelo / cabeza), Quipan (un paño cuadrado, envuelto alrededor del cuerpo), y ikulla (chal) o manta (manta); ella lleva al bebé en una mochila porta bebé de madera y cuerda en la espalda; Traiguén, Chile.

 Fotografía (blanco y negro); tarjeta Cabinet; retrato de estudio de un hombre mapuche y su mujer con el bebé visto de pie en el perfil, foto frente a un fondo pintado de una escena al aire libre; el hombre está sosteniendo un bastón en una mano y lleva un Chamal o trarilanko (diadema) y Manta (Manta / poncho); la mujer lleva un trarilonko (pelo del cordón / sombrero), chaway (pendientes), y la manta, y se lleva al bebé en una mochila porta bebé de madera y cuerda en la espalda; Traiguén, Chile.
Fotografía de Gustavo Milet, (1860-1917),
Personajes de la foto: Centro, Alejandro Glade Schwerter (mi abuelo)
Izquierda: José Brahm Appel

Derecha: Ramón Yuraszeck Doggenweiler
Colección personal de Alejandro Glade R.

VEA: “Fotografía proindigenista. El discurso de Gustavo Milet sobre los mapuches”  en el siguiente link -    http://200.10.23.169/trabajados/fotografia_azocar.pdf







Escrito por: Alejandro Glade R.