La luz es la vida en una escena

Cuando nos dedicamos a hacer fotografías de paisajes, lo que estamos haciendo es grabar una escena o estampar la imagen que tenemos en nuestra cámara. Sin embargo, los fotógrafos a menudo no logran captar lo que se siente al estar en esa realidad que estamos viendo.

Un fotógrafo de paisajes debe llegar a capturar una de esas escenas, y espera a que la escena se desarrolle. Esperando pacientemente a que venga ese cambio de colores,  y esos cambios que se producen con las condiciones meteorológicas,  todos estos acontecimientos que hemos estado esperando, nos harán cambiar nuestro estado de ánimo y conseguiremos algo especial.

Vital y elemental para conseguir buenas capturas es todo lo que tiene que ver con la luz - la luz natural y todos los acontecimientos que la luz aporta a una escena.

Vamos a utilizar la luz correcta  cuando entendamos bien de que se trata, porque para poder crear una fotografía debemos entenderla.  Una vez que entendamos que podemos utilizar la luz a nuestro favor, en las creaciones fotográficas, lograremos imágenes de paisajes espectaculares.

Intensidad: se refiere a la intensidad de la luz. 

Si el sol está alto en el cielo, la luz puede ser dura y demasiado fuerte (por las sombras que se proyectan). Los días nublados traen una luz suave que nos da menos contrastes.

Dirección: esto se refiere a la colocación de la luz. 

Hay tres categorías en la colocación de la luz: Iluminación frontal, posterior y lateral. La Iluminación lateral produce más texturas entre la luz y la sombra.

Color: el color de la luz del sol varía dependiendo de las condiciones del día con respecto al tiempo. 

Si el sol brilla al principio o al final del día, los colores que nos proporcionará la luz, serán mucho más cálidos,  y este tipo de luz nos permitirá darle más dramatismo a las escenas.

Las tres son diferentes cualidades de la luz, todas ellas tienen un factor importante en común - la hora del día en la que estamos haciendo las fotos. La elección de la hora correcta del día a la hora de una captura será el mejor momento. La intensidad de la luz pone de manifiesto diferentes colores en las imágenes de paisajes. Los colores en la fotografía de paisajes dependen de la luz disponible y también a qué hora se dispara una escena, como también donde se pone la cámara.

Disparos en la madrugada nos darán una tonalidad roja en las imágenes. Esto sólo dura unos pocos minutos después de la salida del sol. A medida que la mañana va avanzando los tonos de rojo, pasan a ser amarillos en todos sus tonos. Esta condición  normalmente dura mientras el sol está bajo en el cielo.  Se proyectarán largas sombras a lo largo de una escena durante estas primeras horas. Puede resultar que estas sombras añadan algo de  humor a una imagen. Cuando ya es medio día el sol estará alto en el cielo, y las sombras se habrán ido. Este es el mejor momento del día para los fotógrafos de paisaje.

A medida que el día se va convirtiendo  en noche y el sol cae poco a poco en el cielo, el sol proyectará  colores más fuertes,  similares a los de la mañana. Por lo tanto las puestas de sol podrán ser tan emocionantes como la salida del sol.

De la mano vienen el tiempo y la luz. Las dos juntas con toda seguridad nos darán lo mejor en nuestras fotografías de paisajes. Somos nosotros los fotógrafos los que decidimos qué dirección que usaremos,  si utilizaremos el sol en nuestra espalda, o posiblemente será mejor usarlo a nuestro lado? Como tenemos varias opciones tendremos que ir probando, acuérdense que algunas veces las reglas no siempre se dan… Como por ejemplo cuando hacemos una fotografía de cara al sol y nos sale espectacular!

Si no se está seguro al momento de buscar una escena y tomar algunas imágenes, deje alguna marca en el suelo para que pueda colocar la cámara en el mismo lugar y volver después de unas pocas horas. Vuelva a la escena varias veces y tome notas sobre la dirección de la luz. Registre las diferentes exposiciones con las que toma las imágenes. Compare los tiros que ha hecho en las diferentes horas del día, y las respuestas fotográficas se desarrollarán  en frente de usted.

Escrito por: Alejandro Glade R.

¿Sabe usted lo que es la ISO?

Talvez no. Y, de hecho, usted no necesita saber lo que es pero-simplemente debe aprender a  cómo usarlo. En términos muy simples, el ajuste ISO es una medida de sensibilidad del sensor de la cámara a la luz. Una ISO baja (por ejemplo, 100) no va a ser muy sensibles a la luz, mientras que un valor alto (por ejemplo, 1600) va a ser muy sensible.

Es simple, y no dejes que otros te digan lo contrario. Si usted tiene mucha luz alrededor, por ejemplo en un día soleado o es brillante pero nublado, utilice la configuración 100 o 200. Esta ISO, manténgala para estos escenarios en la mayoría de sus tiros. Y siga tomando sus imágenes de forma normal.

Pero si usted tiene bajos niveles de luz, es posible que desee utilizar el flash, en este caso mantenga el mismo ajuste ISO o use una ISO más alta sin flash.

Si ssted desea tomar una foto de un amigo, en día normal y brillante, usted utilizará un modo de programa o un modo semi-automático que seleccione una abertura de 5,6 y la velocidad de obturación de 1/250. Y no tendrá problemas.

Pero si la luz se está desvaneciendo y no desea utilizar el flash, la velocidad de obturación para la misma abertura podría reducirla  a 30.01 o 01.15.  A velocidades lentas usted se dará cuenta que  sus tiros no serán tan nítidos debido al movimiento de la cámara. En este caso, usted puede cambiar a un ajuste de ISO más alto, - por cada duplicación de la ISO se puede reducir a la mitad la velocidad de obturación. Por lo tanto, usted será capaz de utilizar una velocidad de obturación más rápida en condiciones de poca luz con un ISO alto.

Hay dos inconvenientes con las ISO muy altas, primero, obtendrá una imagen "con más ruido" más granulada, - pero esta condición también puede crear un efecto agradable y en segundo lugar hay que acordarse de volver a su ISO habitual, después de haber tomado las fotos, de tal manera que sus imágenes habituales tengan el ajuste ISO óptimo.

Escrito por: Alejandro Glade R.

Por qué la fotografía en blanco y negro es la mejor forma de empezar.

La fotografía en blanco y negro es el tema para comenzar si usted piensa en serio acerca de convertirse en un mejor fotógrafo.

Volver al tiempo que la foto en blanco y negro era lo único antes de la era digital. 

 Lo primero que los fotógrafos principiantes debieran aprender es disparar, y desarrollar,  e imprimir un rollo de película en blanco y negro. Podemos volver a esas raíces hoy para solidificar nuestras habilidades.

Los  beneficios para aprender a disparar sin color con su cámara digital.

Ejemplo: Si Ud. quiso aprender música  cuando  niño, es probable que empezara con una grabadora. Usted no tubo primero una complicada guitarra de doble diapasón o libros de música de alguna celebridad.

Aprender la fotografía es algo muy similar. Comience de la manera más simple, a adquirir los elementos. Una cámara simple con un lente estándar y las imágenes en blanco y negro irán saliendo por si solas.

Al hacer caso omiso de color, usted tendrá que esforzarse más  para crear grandes imágenes. Una hermosa playa de arena, bajo un radiante sol? Es una fotografía que se ve fácil en el color pero que se convierte en sólo extensiones de gris. En el blanco y negro, usted tiene que encontrar  temas que se adapten al medio así que piense acerca de lo que está viendo antes de hacer clic en el obturador. Esta pre-visualización imaginativa, es quizás la habilidad más valiosa que un fotógrafo puede desarrollar.

Sin color, la composición y la forma son las herramientas esenciales para hacer una buena foto. Aprender a ver las formas y la abstracción le ayudará a componer mejores fotografías más adelante. El aprendizaje del tema lo es todo acerca de la creación de buenos hábitos, y el blanco y negro le ayudará a hacer eso. Fotógrafos que comenzaron con disparos de esta manera tienden a ser muy fuertes en la composición, ya que es la principal herramienta para la creación de fotografías fuertes. El color no se puede utilizar de forma  fuerte como para llamar la atención, pero en el blanco y negro si.

Sombras en blanco o altas luces con sus contrastes, son mucho más fáciles de detectar en la escala de grises. En color, esto es mucho más difícil de saber entre la diferencia de un tinte de color y lo malo de la exposición, y podemos hacernos un problema difícil de solucionar,  tratando de averiguar lo que hay que corregir proporcionalmente. Hacer imágenes en blanco y negro con detalles  de los aspectos más destacados de las sombras es una buena manera de mejorar sus habilidades sobre la exposición, y por ende a futuro será mucho más fácil trabajar con el color.

La adición de habilidades con una base sólida es la mejor manera de hacer un progreso constante.

Una vez que se ha comenzado a dominar las cosas simples, entonces tendremos una base sólida para construir. Comenzaremos entonces a tratar de dominar diferentes lentes, añadir color, y comenzaremos a utilizar el flash sabiendo que hemos aprendido lo básico.

Estudiar cualquier cosa es como construir una casa. Tenemos que comenzar con una base sólida, y haciendo grandes imágenes en blanco y negro será la mejor base que cualquier fotógrafo puede tener.

Escrito por: Alejandro Glade R.

Utilizando el flash 177A en una réflex digital Canon

En primer lugar, si usted está utilizando una distancia focal del tipo gran angular (20 mm o menos), es necesario adjuntar el difusor para el flash. Si no, entonces usted debe quitar el difusor del flash.

Para el modo Auto-Flash:

Ajuste el dial del  flash a la ISO que ha establecido la cámara. Leer la apertura, ya sea en la flecha o línea  verde o roja,  dependiendo del interruptor que en la configuración haya  seleccionado. O (también puede ser),  ajuste el interruptor del flash en la posición verde o roja, dependiendo de la abertura de ajuste que desee utilizar.

Vea  que la cámara le dé la velocidad de obturación necesaria para capturar la imagen sin flash. Si es más rápido que 1/200, estás de suerte. Flash de relleno, a plena luz del día está fuera de opción con este flash.

Si la velocidad de obturación sin flash es 1/200 o más lento, puede utilizar el modo Av de la cámara para conseguir el flash de relleno, o puede utilizar el modo M con una velocidad de obturación de 1/200 (o más lento) según corresponda a la cantidad de ambiente que deseas capturar.

Recuerde que el flash tiene que  averiguar por sí mismo la cantidad de luz para apagarse.

En teoría, si usted está utilizando una apertura especificada y 1/60 segundos la velocidad de

obturación y con la ISO del dial de flash ajustado, debe obtener resultados bastante buenos de exposición (por-escena).

Si utiliza una velocidad de obturación distinta de 1/60, es posible conseguir un poco de subexposición o sobreexposición porque la cámara está capturando una cantidad diferente de luz ambiental  a la que  el flash de espera. Obviamente, esto es más un problema en la iluminación más brillante que en situaciones muy tenues.

Si sus exposiciones no son satisfactorias, tiene dos herramientas a su disposición:

Usted puede utilizar la compensación de exposición en la cámara (en modo Av) o ajustar la velocidad de obturación (en modo M) para cambiar la cantidad de luz ambiental que está capturando.

Precaución: la cámara no sabe si el flash está totalmente cargado  o listo para disparar o no. Si no ves la luz "listo" en el flash, puede suceder que las imágenes que no fueran iluminadas.

A fin de cuentas, el flash pop-up  que trae la cámara digital, es mucho más conveniente. La única limitación real es que su alcance es de 43 pies frente a los 83 pies que dá el  177A.

Pero una unidad de flash adecuada será uno del tipo E-TTL, este parpadea con capacidades de rebote y  que tiene las capacidades de sincronización con altas velocidades.

Para el modo de flash manual:

Encienda el flash en M y lo utiliza como un flash manual,  con todos los cálculos y  números que le da la guía. Este flash el 177A speedlite de Canon tiene un alcance de  83 pies o 25 metros en ISO 100 sin el difusor, 52 pies / 16 metros en ISO 100 con el difusor.

Escrito por: Alejandro Glade R.

Hábitos de un fotógrafo

En un principio estos hábitos cuestan, pero con el tiempo los habremos superado y estaremos en otra etapa de la fotografía. La fotografía sea de aficionado o con la intención de ser un  profesional debe de asimilar una serie de prácticas que tenemos que convertir en hábito, son hábitos que todos los profesionales ya los tienen.

Cuidar  el equipo

Suena como repetido, pero es el primer hábito que tenemos que tener.

La cámara siempre perfectamente limpia, los dedos y suciedades en las lentes nos impedirán obtener buenas y nítidas imágenes. Los sistemas de limpieza que venden en las casas especializadas son siempre aconsejables.

No dejar el equipo o sus partes fuera de los sistemas de protección, ocupe los estuches mientras no los esté usando. No es bueno el polvo en nuestros equipos. Si no tiene estuches, cómprelos, los estuches nos permiten transportar nuestros equipos sin preocuparnos de la suciedad y los golpes.

Las fotografías que tomes deben contar una historia.

Es la diferencia que hay entre las fotos comunes y una buena fotografía, porque hay una historia en ella, cuenta una vivencia. La fotografía con algo que contar es algo que debemos de tratar de incluir siempre a tal punto que debemos estar familiarizado con eso.

Ha preguntado usted ¿ Te acuerdas cuando estuvimos ahí? ¿Quién estaba o por que fue esta foto? ¿Qué  era lindo ese lugar? Son preguntas que harán salir algo de tu foto.

Por eso es bueno siempre y ahora que es digital, tomar varias fotos, hacer secuencias de hasta diez fotos, y trate de que cuenten  historias como:  “ Cuando fuimos de camping” , “Cuando estuvimos en Italia”, también pueden ser eventos cotidianos como “fotos cocinando”

La cámara debemos entenderla a al perfección

Un buen manejo de la cámara nos evitará que tengamos que dar retoques posteriores, por lo que no
tendremos que dedicarle mucho tiempo al computador para hacerles reparaciones para mejorarlas.

Todas las funciones que las cámaras traen son útiles, por lo que debemos saber para lo que sirven y cómo funcionan, nuestra satisfacción también dependerá de si conocemos bien las posibilidades y las limitaciones de nuestra cámara. Habrá funciones que no usaremos nunca pero tenemos que saber de qué se tratan.

Invertir tiempo si nos gusta.

Si nos gusta, el día de mañana podría ser nuestro oficio, así que el tiempo que le dediquemos es importante al igual que el esfuerzo por aprender del tema. Debemos mirar de otros fotógrafos, estudiar sobre los grandes fotógrafos de la historia.

El saber cómo se trabaja en el mundo de la fotografía, se logra compartiendo experiencias con otros a los que también les guste la fotografía o bien sean fotógrafos.

El disparo en  Bracketing y RAW.

Es bueno usar estos sistemas y realizar varias exposiciones del mismo encuadre, así tendremos la posibilidad de elegir el mejor disparo y evitaremos problemas de sobre-exposición o sub-exposición. En las cámaras digitales es recomendable experimentar con el bracketing ya que a menudo podemos obtener muy buenos resultados. El modo Raw es bueno para efectuar correcciones posteriores.

Mi recomendación para adquirir todos estos hábitos, es ir paso a paso sin apresurarse, para no saturarse de información, trabajando con los cuidados correspondientes en cuanto a organización, métodos, reglas, al final la práctica lo llevará a consolidarse como un buen fotógrafo.

Escrito por: Alejandro Glade R.

Cosas que debemos tener en cuenta como fotógrafo

La fotografía es un arte en que la mayoría de las personas tiene alguna afinidad y sobre todo ahora que hay tanta facilidad para hacer fotografía.

Desde la aparición de la fotografía como forma de arte, la gente siempre ha sido atraída hacia ella como un hobby. Con el pasar del tiempo, la fotografía se ha convertido en más que en una profesión, se ha convertido en un todo un éxito. La destreza que hay que tener no se adquiere de la noche a la mañana, igual que en otras formas de arte, debemos ser paciente y aprender hasta que  hayamos adquirido la destreza en la captura de imágenes. Las habilidades fotográficas hay que mejorarlas de tal forma de dejar una marca la comunidad fotográfica.

Todo el mundo sueña con ser conocido como uno de los mejores fotógrafos, pero pocos tienen el talento para ser grandes. No hay que subestimarse si no tenemos la habilidad requerida. Paciencia y dedicación nos llevará a poder capturar buenas imágenes, y también podremos capturar imágenes de calidad profesional. No nos adelantemos, porque lo que necesita saber acerca de la fotografía es extremadamente importante.

Por eso el elemento más importante y yo diría vital, en la fotografía es la luz. ¿Cuánta luz debemos utilizar en las fotos es muy importante para asegurarnos de cómo va a salir la foto. Para hacer capturas que impresionen, debemos asegurarnos de que hay un equilibrio y que las fotos no deben estar subexpuestas o sobreexpuestas.

El color es el que le dará un estado de ánimo a la fotografía. Una leve variación de los colores puede provocar emociones diferentes, desde colores alegre a colores sombríos. Es necesario saber cuándo una imagen debe ser de colores fuertes y cuándo debe ser más tenue.

Las fotografías deben de ser capaces de contar una historia sobre la imagen. Como los profesionales que ven un momento de una situación cotidiana y logran que la imagen hable por sí sola, entonces esto es la fotografía,  el fotografiar cualquier situación y transmitir lo que estamos tratando de mostrar.

Es posible que queramos resaltar un determinado objeto en la imagen, así que tenemos que hacer que la imagen de manera que, cuando la vean, sean inmediatamente atraídos hacia el objeto resaltado. 

Para crear imágenes impresionantes, es necesario combinar todos los factores mencionados.  Y debemos coordinar todos estos  aspectos en la fotografía, o si no nunca seremos capaces de tomar imágenes como los profesionales. La clave para la captura de fotografías con calidad profesional es encontrar un equilibrio y ser capaz de combinar todos estos elementos inconscientemente. Debe ser automático.

El dominar la fotografía no es fácil, pero si damos el 100 por ciento y tenemos paciencia, seremos capaces de capturar imágenes impresionantes. Es cierto que podemos ganar mucho mediante la emulación de otros, por lo que es importante entender las técnicas empleadas por otros  fotógrafos de éxito. Aprenderemos mucho estudiando sus imágenes y la aplicación de sus principios a su fotografía.

Escrito por: Alejandro Glade R.

Pintando con la luz

Valparaíso, Chile

Todos ustedes han escuchado la frase, "ver la luz". Todo lo que vemos está formado por la luz. La luz tiene dirección, anchura, intensidad y color. La luz es lo más importante en todas las técnicas artísticas. La comprensión de todas las propiedades de la luz es muy beneficiosa para el fotógrafo y el artista, también es bueno entender y reconocer el efecto de la luz sobre un tema cuando lo vemos. También debemos tener siempre en cuenta que la luz tiene su opuesto, y que debe ser muy importante para el fotógrafo, la sombra. La luz y las sombras son el material de trabajo para la fotografía.

Al aire libre, la luz solar nos muestra bordes nítidos, crea formas y dimensiones, revela texturas y esboza siluetas. Las diferencias de color entre la luz solar directa y la luz desde el cielo abierto intensifican la sensación de aire libre, aunque este efecto se debe utilizar con discreción. Un día nublado generalmente retrata un estado de ánimo más sombrío, iluminando todo con un elenco azul de mayor peso. Un filtro de calentamiento o cálido cambia el estado de ánimo que provoca el azul en una fotografía a una emoción más agradable.

Valparaíso, Chile

En los Interiores, la luz que entra por una ventana es muy forma en que se nos revela la naturaleza. Se debe tener cuidado al proporcionar luz sobre el lado de una sombra, esto es porque  la imagen se debe equilibrar. Un cielo azul como fuente debe ser cálida y para eso debe de ser calentada con un filtro para que corrija los colores dominantes. Las nubes iluminadas por el sol son una fuente perfecta de luz para sus ventanas en la fotografía. La luz incandescente es mucho más cálida y debe usarse con cuidado. Cuando se utiliza la luz incandescente, debe ser usado un filtro de enfriamiento que evitará que la fotografía se vea demasiado naranja. Las luces fluorescentes carecen de  rojo y pueden no reflejar los tonos de piel correctamente.

Viña del Mar, Chile

La anchura de las fuentes de luz deben ser tomada en consideración. La fuente de luz más amplia que se conoce es el efecto envolvente de un día soleado en la playa. Las formas redondeadas son aplanadas, los detalles se oscurecen, y las áreas de colores parecidos se presentan a menudo monocromáticamente. Una fuente puntual como el sol o una bombilla de luz arrojan sombras afiladas y duras y se notarán más en los pequeños detalles. Cada efecto de la luz puede ser utilizado como una herramienta para crear y desarrollar los objetivos que necesita el artista, y así conseguir el efecto especial que es necesario para el mensaje dentro de la composición, el fotógrafo debe esperar por el tiempo perfecto y el clima perfecto. Fuentes de ancho mediano de la luz son deseables y muy buenas

para hacer efectos en el rostro humano.

En la práctica, cuando se está fuera al aire libre, busque un muro blanco que refleje la luz para aclarar áreas sombreadas del objetivo. Alguna cosa que sea iluminada por el sol, o cualquier cosa con un área sensible que refleje la luz hace una buena fuente de luz. A no ser de que usted quiera, asegúrese de que la superficie no está demasiado lejos sujeto.

El ángulo de la luz también es importante. Para las caras, las horas entre nueve de la mañana y una hora antes de la puesta del sol no son los tiempos más favorecedores. Los momentos justo después del amanecer y justo antes del atardecer se refieren a menudo como "la hora mágica" son buenos para la mayoría de los otros objetos pero no para los rostros.

Cuando usted vea un anuncio de un auto nuevo por ejemplo, trate de determinar la dirección y la hora del día en que se tomó la fotografía. Y se dará cuenta y encontrará que la "hora mágica" jugó un papel importante en la fotografía.

Hay ciertas combinaciones de luz que se ha probado en el mundo de la fotografía y el arte. Los alimentos a menudo se fotografían con una amplia fuente de luz de diferentes ángulos. El rostro humano es más halagado con una luz suave en un ángulo de 30 grados a la derecha o a la izquierda de la cámara y ligeramente por encima del objetivo, a veces a esta luz se le llama luz circular. Antiguamente la famosa luz de "norte" en la jerga de los artistas pintores, presenta una fuente inmutable de luz cuya dirección estaba controlada con cortinas móviles. Por desgracia, el flash incorporado utilizado por millones de fotógrafos por la facilidad y rapidez que esto implica, da la iluminación al sujeto de manera uniforme, aplana las tres dimensiones del sujeto, ocultando los verdaderos volúmenes y la  verdadera redondez de la forma. 

Debemos como fotógrafos recordar en cada momento que la luz natural es importante, y una buena calidad de luz nos entregara con seguridad una buena fotografía. Trate de colocar este efecto en la memoria permanente para uso futuro. 

Escrito por: Alejandro Glade R.